Sul red carpet della Mostra del Cinema di Venezia, Natalia Paragoni ha sfilato con un'eleganza che andava oltre il semplice stile. La modella e influencer, ex volto di Uomini e Donne, si è presentata al Lido con la testa completamente rasata, conseguenza della chemioterapia che sta affrontando per combattere il linfoma di Hodgkin diagnosticato durante l'ottavo mese della sua seconda gravidanza. Niente parrucche, niente espedienti per nascondersi: solo un sorriso luminoso e un completo nero dalla silhouette scultorea, impreziosito da una grande applicazione luminosa che ha reso la sua presenza magnetica.

La sua scelta di non nascondere gli effetti delle terapie ha rappresentato un messaggio potente, un modo per abbattere i tabù che ancora circondano la malattia e per offrire rappresentazione a chi sta vivendo un percorso simile. Natalia ha scelto di condividere apertamente sui social il suo viaggio tra cure, paure e piccole vittorie quotidiane, diventando un punto di riferimento per molte persone che si sentono meno sole grazie al suo coraggio. Ma anche di fronte a un momento così delicato, i social network hanno mostrato il loro lato più oscuro.

Tra decine di commenti ammirati sotto le foto che ritraevano Natalia sul red carpet, è spuntato un messaggio carico di veleno: "Ma che vestito è? Spettacolarizzare la malattia anche no". Una critica che partiva apparentemente dal look ma si trasformava rapidamente in un'accusa ben più pesante, trasformando una presenza densa di significato in un presunto tentativo di cercare visibilità sulla propria sofferenza. Natalia ha scelto la strada dell'eleganza, ignorando il commento senza concedere spazio a chi voleva ferirla.

Una risposta che ha colpito nel segno, diretta e senza giri di parole. In poche righe, Elena Santarelli ha smontato non solo il commento ma l'intera logica che lo sottendeva, invitando a riflettere sulla gratuità della cattiveria digitale. Le sue parole hanno raccolto in pochi minuti una valanga di consensi, diventando un manifesto contro l'odio online e la violenza verbale che si nasconde dietro lo schermo di uno smartphone. Elena Santarelli non è nuova a battaglie di questo tipo. Dopo l'esperienza vissuta con il figlio, si è impegnata attivamente nella sensibilizzazione sul tema della malattia e nella raccolta fondi per la ricerca oncologica.

Sa bene quanto possa ferire un commento scritto con leggerezza, quanto possa pesare su chi sta già affrontando un percorso difficile. E sa anche che il silenzio di fronte alla cattiveria rischia di normalizzarla. Il percorso di Natalia Paragoni con il linfoma di Hodgkin è ancora in corso. Le ultime notizie sono però incoraggianti: la terapia sta dando ottimi risultati, e la PET ha mostrato una significativa riduzione della massa tumorale. "Tutto si è sgonfiato", ha spiegato recentemente l'influencer, condividendo con i suoi follower i progressi delle cure. Dopo l'ultimo ciclo di chemioterapia, si deciderà il da farsi, ma l'andamento positivo rappresenta un faro di speranza per lei e per la sua famiglia.

natalia paragoni emozionata al festival di venezia é la cosa più bella che vedrete oggi pic.twitter.com/H3XUittBZU

— chiqui (@chiquita2163) September 3, 2026

Riguarda la responsabilità delle parole, soprattutto quando vengono rivolte a persone vulnerabili. Riguarda la differenza tra pensare qualcosa e scriverlo pubblicamente, tra avere un'opinione e usarla come un'arma. E riguarda il coraggio di chi, come Elena Santarelli, decide di non restare in silenzio di fronte all'ingiustizia, anche quando sarebbe più comodo girarsi dall'altra parte. "Grazie perché ci sentiamo meno sole", ha commentato una fan sotto le foto di Natalia a Venezia.

La serie fantascientifica Dark Matter, prodotta da Apple TV+ e basata sul celebre romanzo di Blake Crouch, sta dimostrando una crescita narrativa straordinaria fino a posizionarsi nello stesso solco di capolavori del genere come Dark di Netflix. Nonostante la prima stagione avesse già esaurito l'intero arco narrativo del libro di riferimento, il ritorno dello show con la seconda stagione rappresenta un'operazione complessa quanto riuscita, guidata dallo stesso autore Crouch nelle vesti di showrunner.

L'esordio dei nuovi episodi ha superato i dubbi iniziali, confermando come l'esplorazione del multiverso possa evolversi in una struttura sempre più ambiziosa, dinamica e priva dei problemi di ritmo che avevano caratterizzato i primi capitoli della serie. Nel corso della sua prima stagione, Dark Matter aveva impiegato un po' di tempo per trovare una propria identità e un conflitto centrale davvero coinvolgente per il pubblico, procedendo con una narrazione inizialmente lenta e relativamente lineare.

La trama era mossa principalmente dal tentativo disperato del protagonista di ritrovare la strada di casa dopo essere rimasto intrappolato nella "Scatola", la struttura fondamentale per i viaggi tra le realtà parallele. Tuttavia, a partire dal terzo episodio e culminando negli avvincenti episodi finali, la serie ha accelerato il passo, introducendo il caos di molteplici versioni alternative dei medesimi personaggi e conquistando definitivamente la propria nicchia di spettatori appassionati.

Con il debutto della seconda stagione, lo show compie un evidente salto di qualità, dimostrando di non essere una semplice variazione sul tema dei mondi paralleli, ma una narrazione complessa e distintiva. Fin dalla scena d'apertura del primo episodio che mostra in modo crudo una serie di versioni alternative e morte del protagonista, viene chiarito come la prima stagione costituisse soltanto la superficie di un multiverso ben più vasto.

Anziché restringere il campo, la serie sceglie di allargare i propri orizzonti: pur mantenendo al centro le vicende della famiglia Dessen, la narrazione si ramifica per seguire le peripezie, i successi e i drammi di numerosi altri personaggi, offrendo allo spettatore figure inedite per cui tifare. Questo cambio di passo stilistico e strutturale avvicina la produzione Apple TV+ al modello di Dark, l'iconica serie tedesca di Netflix rimasta nell'immaginario collettivo come una vera e propria lezione di scrittura fantascientifica sui viaggi nel tempo e sulle linee temporali intrecciate.

Proprio come la produzione tedesca è riuscita a legare i destini di molteplici personaggi in un mosaico narrativo labirintico e coerente nell'arco delle sue tre stagioni, Dark Matter sta trasformando le sue premesse in un racconto corale e caleidoscopico. Superate le incertezze iniziali sulla velocità del racconto, la serie si proietta verso il futuro con un'impostazione visiva e concettuale di altissimo livello, destinata a lasciare un segno profondo nel panorama della serialità sci-fi contemporanea.

Tratto dall'omonimo romanzo di Irvine Welsh e uscito nelle sale nel 1996, Trainspotting diretto da Danny Boyle si è affermato come un cult generazionale assoluto e un ritratto crudo, ironico e al tempo stesso alienante dell'adolescenza europea e della sottocultura degli anni Novanta. La pellicola continua a imprimersi nella memoria collettiva grazie a una narrazione non lineare, una colonna sonora travolgente tra rock, punk e techno, e la performance straordinaria di un giovanissimo Ewan McGregor nei panni di Mark Renton.

La storia segue le vicende di un gruppo di amici della periferia di Edimburgo immersi nella dipendenza dall'eroina, tra cui spiccano l'ossessivo Simon “Sick Boy”, il fragile Daniel “Spud”, il tragico Tommy e l'irascibile e sociopatico Francis Begbie. Renton cerca a più riprese di disintossicarsi e affrancarsi da questo stile di vita autodistruttivo, ma ogni tentativo sfocia in una nuova caduta tra arresti, overdosi e problemi di salute mentale. Accompagnato da una voce narrante provocatoria, il racconto non scade mai nel moralismo, ma alterna con cinismo comicità nera, orrore e momenti di pura disperazione, come la tragica morte della piccola Dawn, figlia dell'amica Allison, fino alla fuga finale del protagonista con il denaro della vendita di droga.

Prodotto con budget estremamente contenuto e in un'epoca antecedente all'uso massiccio del digitale e dei green screen, il film deve gran parte della sua immortale efficacia visiva al talento artigianale di Boyle, capace di orchestrare inquadrature insolite e sequenze surreali facendo affidamento esclusivamente su set fisici e trucchi scenici tradizionali. La sequenza più celebre e assurda del film è senza dubbio quella della discesa di Renton all'interno del "peggior cesso di Scozia".

In preda a una forte crisi d'astinenza, il protagonista deve recuperare delle supposte di oppiacei accidentalmente cadute nel water di un bagno pubblico ripugnante. Per realizzare questo momento surreale, la produzione ha evitato qualunque ricorso alla tecnologia digitale, pianificando una complessa architettura scenografica suddivisa tra la fase di approccio e quella di vera e propria immersione. Il set è stato appositamente rialzato rispetto a una stanza sottostante dove è stato installato un serbatoio d'acqua capiente, permettendo all'attore di andare realmente a fondo. Per la prima fase sono state acquistate diverse tazze da bagno usate nei mercatini dell'usato, lasciate intenzionalmente sporche e non pulite per garantire la massima resa visiva.

La materia organica e il sudiciume presenti nella tazza e sulla ceramica erano in realtà composti da cioccolato e impasti realizzati da una pasticceria locale: una soluzione dal sapore quasi comico, visto che sul set l'ambiente emanava un profumo gradevole mentre sullo schermo appariva come uno dei luoghi più nauseanti della storia del cinema. Per girare queste riprese senza ricorrere a controfigure, Ewan McGregor si è dovuto immergere più volte nel composto con grande spirito di adattamento. Per la dinamica dell'ingresso all'interno della toilette, Boyle si è affidato a un vero e proprio trucco teatrale di prospettiva e ingegno prospettico.

Una delle tazze di dimensioni normali è stata tagliata a metà e posizionata sopra una piattaforma con uno scivolo nascosto al di sotto; da una specifica angolazione di ripresa, la macchina da presa creava l'illusione ottica che la toilette fosse integra e che l'attore scivolasse e scomparisse letteralmente nel tubo di scarico. In un'ulteriore ripresa è stata impiegata una porzione di ceramica aperta e ricoperta di perspex trasparente con acqua all'interno per mostrare il passaggio della figura. Successivamente, per riprendere la traversata dell'intero corpo, è stata utilizzata una seconda tazza da bagno identica alla prima ma di dimensioni enormemente maggiorate, consentendo a McGregor di farvi ingresso con disinvoltura.

Una volta varcata la soglia del water, il disgusto lascia spazio a un mondo onirico ed esteticamente affascinante, dove il gabinetto diventa un portale verso una sorta di oceano sconfinato in cui Renton nuota liberamente per recuperare la droga. Per ottenere questo effetto allucinatorio all'interno del serbatoio d'acqua, la produzione ha tinto il liquido con una colorazione verde fluorescente. Inoltre, per ricreare la sensazione di galleggiamento e dilatazione temporale vissuta dal protagonista, Boyle ha adottato la tecnica del "cranking": le riprese sono state effettuate a una velocità di scatto superiore alla norma per poi essere rallentate in fase di montaggio, regalandoci uno straordinario contrasto visivo in cui l'immondizia si converte in una bellezza quasi paradisiaca che riflette la percezione alterata della mente sotto l'effetto dell'astinenza.

Se la scena del water rappresenta la vetta del grottesco e dell'umorismo nero del film, la sequenza del bambino è indubbiamente la più cupa e disturbante. Durante la reclusione forzata nella propria cameretta voluta dai genitori per curare la dipendenza, Renton affronta i giorni più duri della disintossicazione. Tra dolori fisici e allucinazioni visive, la sua mente straziata materializza il fantasma della piccola Dawn. Nell'incubo del protagonista, la bambina gattona lungo il soffitto della stanza avvicinandosi progressivamente a lui, per poi compiere una innaturale rotazione del capo a 180 gradi che richiama apertamente l'immaginario horror de L'esorcista.

Anche per questo momento ad altissimo impatto emotivo, Boyle ha rifiutato l'impiego della computer grafica optando per un effetto pratico d'animatronica. Il neonato visto gattonare sul soffitto era in realtà un pupazzo meccanico snodabile e controllato a distanza, ideato e costruito dallo specialista degli effetti speciali Grant Mason. L'artista, che aveva già collaborato con il regista e che in seguito avrebbe lavorato a molteplici produzioni cinematografiche e televisive, ha realizzato il modello di Baby Dawn poi conservato e documentato anche dal Scottish Mask and Puppet Centre. L'illusione della camminata a testa in giù è stata ottenuta sfruttando la prospettiva e la distorsione sensoriale del punto di vista di Renton.

Proprio la leggera imperfezione nei movimenti dell'animatronic dona alla scena una qualità surreale e profondamente inquietante: la figura appare umana ma visibilmente artificiale al tempo stesso, sospesa tra realtà e incaubo. Nonostante le due sequenze perseguano registri narrativi opposti — l'una comica e liberatoria, l'altra tragica e angosciante —, entrambe sono accomunate dalla medesima filosofia registica: prendere elementi concreti e quotidiani per rielaborarli attraverso soluzioni d'ingegno, trucchi di camera e allestimenti fisici. È proprio questa natura materica e genuina a rendere le immagini di Trainspotting ancora oggi straordinariamente attuali, potenti e capaci di resistere al segno del tempo molto meglio di tanti effetti digitali contemporanei.

Durante la serata d'apertura dell'83ª edizione della Mostra Internazionale d'Arte Cinematografica di Venezia, la nota attrice internazionale Nina Dobrev è stata protagonista di un inaspettato momento di tensione e imbarazzo sul tappeto rosso. L'episodio si è verificato il 2 settembre 2026 in occasione della proiezione del film di apertura Ink, diretto dal regista Danny Boyle. Mentre la trentasettenne posava con eleganza davanti ai fotografi, un membro della sicurezza in completo nero le si è parato improvvisamente di fronte, invitandola con decisione con un gesto del braccio ad affrettare il passo e ad allontanarsi per liberare rapidamente lo spazio per le successive star in arrivo.

L'andamento della scena, ripreso dagli obiettivi e rilanciato sui canali social, ha mostrato nel dettaglio la dinamica dell'accaduto. L'addetto alla sicurezza ha rivolto alcune parole dirette alla Dobrev, scatenando la reazione contrariata dell'attrice e il breve intervento fuori campo di una donna. Nonostante la situazione insolita e le proteste scoppiate tra i fan a bordo passerella — che hanno urlato verso la sicurezza frasi come "Lasciala stare, è appena arrivata!" —, la star ha cercato di rubare qualche secondo in più in favore di camera: indossando un abito firmato Armani Privé senza spalline, ha fatto roteare con espressione seria il lungo drappeggio in tulle del capo, mantenendo un contegno impeccabile.

Scortata via frettolosamente, ha infine abbandonato la passerella con una risata tra l'incredulo e l'infastidito, rivolgendo un ultimo saluto ai fotografi rimasti dall'altra parte del red carpet. L'episodio ha sollevato un'ondata di indignazione e critiche verso la gestione dell'evento da parte degli organizzatori. Numerosi utenti sul web hanno espresso il proprio dissenso definendo una "vergogna" la rigidità usata nei confronti di un'attrice professionista di fama mondiale, chiedendosi come sia possibile riservare un simile trattamento a interpreti affermate all'interno di uno dei festival cinematografici più prestigiosi al mondo.

Cioè ma sono delle mestiere questi?
Fanno sfilare pseudo personaggetti sul red carpet senza arte e ne parte e cacciano un'attrice che sa fare il suo mestiere anche molto bene?! Che figura de ? pic.twitter.com/p7x8kUNOSX

— Sbl (@1288_sbl) September 3, 2026

Dopo aver abbandonato la facoltà universitaria di Sociologia per dedicarsi interamente alla recitazione, ha costruito una solida carriera cinematografica e televisiva prendendo parte a pellicole come Away From Her – Lontano da lei (2006), Fugitive Pieces (2007), L’ora del licantropo (2008), Chloe – Tra seduzione e inganno (2010), The Roommate – Il terrore ti dorme accanto (2011), Noi siamo infinito (2012), Bastardi in divisa (2014) e The Final Girls (2015) con Domhnall Gleeson e Christina Applegate. Ha poi recitato al fianco di Vin Diesel e Samuel L. Jackson nell'action blockbuster xXx – Il ritorno di Xander Cage (2017) ed è apparsa nel cast del film La vendetta perfetta – Bear Country (2026), oltre ad aver legato indissolubilmente il proprio nome al personaggio di Elena Gilbert nella celebre serie televisiva horror The Vampire Diaries. Sul fronte della vita privata, l'attrice è stata legata sentimentalmente dal 2010 al 2013 al campione olimpico di snowboard Shaun White.

L'incidente del red carpet si inserisce all'interno di un'edizione di Venezia 83 particolarmente ricca di impegni. Nella giornata di venerdì 4 settembre 2026, il programma entra nel vivo della sua terza giornata di proiezioni con importanti titoli in Concorso: 15/18 (A Place to Heal) del regista Cédric Kahn — incentrato sulle vicende della diciassettenne Lucia che, condotta dalla polizia nel reparto di neuropsichiatria infantile di un ospedale pubblico, ritrova l'amica Eloïse e affronta assieme ad altri ragazzi i propri demoni interiori — e Mr. Nelson, Did You Kill People? del regista Shinya Tsukamoto con Geoffrey Rush, opera che racconta la storia di Allen Nelson, giovane newyorkese arruolatosi nei Marines e inviato nel 1966 al fronte della guerra del Vietnam per sfuggire alla povertà. In un clima di forte fermento e in attesa delle prossime proiezioni serali, il Lido continua intanto ad accogliere altre grandissime star del cinema internazionale, tra cui figurano gli arrivi di Susan Sarandon e Laura Dern.

Cinquant'anni dopo aver ridefinito il cinema hollywoodiano, Lo Squalo di Steven Spielberg ritorna su Netflix a settembre 2026, accompagnato dall'intera saga dei suoi sequel. Ma questa non è una semplice aggiunta al catalogo: stiamo parlando del film che Quentin Tarantino ha definito il più grande di tutti i tempi. Non il miglior "film d'autore", bada bene, ma il miglior "movie" in assoluto. Una distinzione che fa tutta la differenza del mondo. Quando Tarantino parla di cinema, ogni parola pesa come un macigno. Il regista di Pulp Fiction ha passato decenni a dissezionare ogni angolo della settima arte, dalle pellicole exploitation più oscure ai kolossal che hanno fatto la storia.

Quindi quando sceglie deliberatamente il termine "movie" invece di "film", non è un dettaglio casuale. La sua argomentazione si basa su un concetto preciso: un film può essere un'opera d'arte austera e sperimentale, ma un movie è qualcosa di più complesso. È intrattenimento puro che raggiunge la perfezione, un'esperienza cinematografica totale capace di far urlare, ridere e applaudire il pubblico in sala. Ed è esattamente questo che Spielberg, appena ventottenne, riuscì a costruire nel 1975.

Lo Squalo non era pensato come un esperimento d'autore per i festival internazionali. Era un thriller commerciale su uno squalo bianco che terrorizza l'isola di Amity. Eppure, dietro questa apparente semplicità si nasconde un lavoro di maestria cinematografica raramente eguagliato. La regia suspense di Spielberg, la colonna sonora diventata iconica di John Williams, le interpretazioni di Roy Scheider, Robert Shaw e Richard Dreyfuss, e soprattutto la scelta geniale di tenere il mostro quasi sempre fuori campo: ogni elemento lavora in perfetta sinergia per creare tensione.

Il tema musicale di Williams, quelle due note ossessive suonate da Tommy Johnson con la tuba, è diventato sinonimo universale di pericolo imminente. Bastano quelle note alternando Mi e Fa per far scattare un brivido ancestrale lungo la schiena. Ma la vera genialità sta in ciò che non vediamo. Gli squali meccanici costruiti per il film si rompevano continuamente durante le riprese in mare aperto, una produzione travagliata che avrebbe potuto affondare il progetto. Invece, Spielberg trasformò il problema in opportunità.

L'impossibilità di mostrare costantemente la creatura lo costrinse a evocarla attraverso inquadrature subacquee, primi piani terrorizzati, oggetti galleggianti e quella musica ipnotica. Il risultato è un film che quasi cinquant'anni dopo funziona ancora perfettamente, perché la sua suspense non dipende da effetti speciali che possono invecchiare male. L'anticipazione, la paura di ciò che si nasconde sotto la superficie, domina l'immaginazione dello spettatore molto più di quanto potrebbe fare qualsiasi mostro in CGI.

Lo Squalo cambiò Hollywood in modo permanente. Prima del 1975, l'estate non era considerata automaticamente il periodo più redditizio per le grandi uscite cinematografiche. Il film di Spielberg divenne un fenomeno culturale che riscrisse le strategie di distribuzione degli studios, dando vita al modello del blockbuster estivo che domina ancora oggi. Fu uno dei primi film a essere girato completamente in mare aperto, affrontando sfide produttive immense. E divenne il film con i maggiori incassi nella storia del cinema, almeno fino all'arrivo di Guerre Stellari nel 1977.

Netflix non si limita a riportare il capolavoro originale. A settembre 2026 arriveranno tutti e quattro i capitoli della saga, un'occasione per esplorare anche l'evoluzione, o meglio l'involuzione, dei sequel. Lo Squalo 2 è il migliore tra i seguiti, con Roy Scheider che riprende il ruolo del capo della polizia Martin Brody e alcune sequenze efficaci, in particolare quella dei giovani nuotatori intrappolati in mare aperto. Da lì in poi, però, la saga prende direzioni sempre più surreali. Lo Squalo 3 sposta l'azione in un parco marino stile SeaWorld e introduce effetti 3D che oggi risultano involontariamente comici, conferendo al film quel fascino trash del "così brutto da essere divertente".

Ma il vero delirio arriva con Lo Squalo 4: La vendetta, dove la trama suggerisce che un grande squalo bianco stia deliberatamente inseguendo la famiglia Brody per vendicarsi. Sì, avete capito bene: uno squalo con un piano di vendetta personale. È uno dei sequel più assurdi mai prodotti da Hollywood, ma proprio per questo merita una visione, se non altro per vedere Lorraine Gary nei panni di Ellen Brody prendere il centro della scena in un finale improbabile quanto memorabile. La trama del film originale rimane semplice ma perfettamente calibrata. Nella cittadina balneare di Amity, nel New England, la giovane Christine Watkins scompare dopo un bagno notturno.

Il suo corpo viene ritrovato sulla spiaggia il giorno seguente, lacerato da quello che appare chiaramente un attacco di squalo. Il capo della polizia Martin Brody vuole chiudere immediatamente le spiagge, ma il sindaco Larry Vaughan si oppone: la stagione turistica è tutto per l'economia locale, e la notizia di uno squalo assassino significherebbe la rovina. Il sindaco arriva persino a far falsificare il referto del medico legale. Brody cede alle pressioni, ma pochi giorni dopo un altro bagnante, l'adolescente Alex Kintner, viene dilaniato.

A quel punto scoppia una caccia collettiva allo squalo, con pescatori e il cacciatore professionista Quint che si gettano in mare. Viene catturato uno squalo tigre, e tutti tirano un sospiro di sollievo. Ma il biologo marino Matt Hooper, chiamato da Brody per consulenza, è certo che non sia quello giusto. E infatti il vero squalo continua ad aggirarsi tra i bagnanti. Dopo un altro attacco mortale e il salvataggio miracoloso di Michel, il figlio dello stesso Brody, il poliziotto decide di affrontare la bestia personalmente.

Si imbarca sull'imbarcazione di Quint insieme a Hooper, ma la caccia si rivelerà molto più pericolosa e complessa di quanto immaginato. Quello che era iniziato come un thriller sulla sicurezza pubblica si trasforma in un'odissea marina che richiama esplicitamente Moby Dick di Melville, con Quint nel ruolo di un moderno capitano Achab ossessionato dalla sua preda.

Basato sull'omonimo romanzo di Peter Benchley del 1974, Lo Squalo vinse tre premi Oscar: Miglior Montaggio, Miglior Colonna Sonora e Miglior Suono. La critica dell'epoca riconobbe immediatamente il talento di Spielberg nel costruire una suspense magistrale, almeno finché il mostro rimaneva invisibile. Alcuni recensori italiani dell'epoca notarono come il film fosse meno superficiale di quanto sembrasse: lo squalo diventa simbolo dei pericoli quotidiani, e l'atmosfera angosciosa riflette quella che spesso caratterizza la vita moderna.

È considerato il primo blockbuster estivo in assoluto e uno dei film che hanno aperto le porte alla Nuova Hollywood. Una pellicola che ha saputo essere allo stesso tempo intrattenimento di massa e cinema d'autore, commercio e arte, spettacolo e tecnica impeccabile. Esattamente ciò che Tarantino intende quando parla del più grande movie di sempre.

Lara Croft è una delle eroine più riconoscibili del cinema d'azione degli anni 2000, un'icona che ha segnato un'intera generazione di spettatori. Eppure, dietro quel personaggio che tutti associamo istintivamente al volto di Angelina Jolie, si nasconde una storia di ripensamenti, condizioni precise e, soprattutto, una scelta professionale che avrebbe cambiato per sempre la vita dell'attrice. Perché se oggi ricordiamo la Jolie come l'archeologa avventuriera per antonomasia, pochi sanno che inizialmente aveva quasi rifiutato il ruolo, ponendo una condizione molto precisa su uno degli elementi più iconici del personaggio: quei celebri pantaloncini corti.

Quando i produttori di Lara Croft: Tomb Raider bussarono alla porta della star nel 2001, l'attrice premio Oscar non era affatto convinta. Nonostante la prospettiva di viaggiare per il mondo e addestrarsi con l'esercito britannico fosse indubbiamente allettante, Angelina aveva le sue riserve. E la questione più spinosa riguardava proprio l'outfit del personaggio. I pantaloncini cortissimi di Lara erano già un marchio di fabbrica della saga videoludica, un elemento visual riconoscibile quanto la doppia pistola e la treccia.

Ma per la Jolie rappresentavano un problema. "Ho detto di no a Tomb Raider quando mi hanno chiamato per la prima volta", ha rivelato l'attrice in un'intervista a People nel 2025, ripercorrendo quei giorni cruciali. La prospettiva di essere ridotta a un simbolo sessuale in pantaloncini per l'intero film non la convinceva. Così, prima di accettare, pose una condizione ferrea: "Ho detto: indosserò i pantaloncini per i primi cinque minuti e poi non li indosserò mai più. Ed è vero. E questo è il film. Questo è quello che è successo davvero".

Una scelta che oggi può sembrare minore, ma che all'epoca rappresentò una presa di posizione significativa. Angelina Jolie voleva che Lara Croft fosse un personaggio complesso, non solo un'icona pin-up. E i produttori accettarono. Nei primi minuti del film vediamo effettivamente i leggendari shorts, quasi come un omaggio necessario ai fan dei videogiochi, ma poi il personaggio evolve in qualcosa di più articolato, con costumi funzionali all'azione piuttosto che al male gaze. Ma c'era un altro elemento che inizialmente faceva storcere il naso alla Jolie: la scena di combattimento iniziale tra Lara e Simon.

Anche in questo caso, l'attrice era perplessa. Tuttavia, come raccontato da fonti vicine alla produzione, la consapevolezza di quanto quei dettagli fossero importanti per gli appassionati della saga videoludica la convinse a superare i suoi dubbi. Non voleva deludere i fan che attendevano con ansia di vedere la loro eroina prendere vita sul grande schermo. Il risultato fu un casting che ancora oggi molti considerano perfetto. Per il pubblico di tutto il mondo, Angelina Jolie era Lara Croft prima ancora che il film arrivasse nelle sale.

La sua fisicità, il carisma, quella miscela di eleganza e durezza la rendevano la scelta ideale, accolta con entusiasmo tanto dai fan quanto dagli addetti ai lavori. I due film della saga, Lara Croft: Tomb Raider del 2001 e Tomb Raider: La culla della vita del 2003, ottennero recensioni contrastate dalla critica, ma conquistarono il box office, confermando la Jolie come una delle star d'azione più credibili del nuovo millennio. Ma se i film rappresentarono un successo commerciale, per Angelina Jolie quel ruolo significò qualcosa di molto più profondo e personale.

Tomb Raider le cambiò letteralmente la vita, ben oltre i confini della carriera cinematografica. Le riprese in Cambogia, in particolare, furono un punto di svolta. "Nel mio cuore, la Cambogia", ha dichiarato l'attrice. "Il mio primo viaggio è stato Tomb Raider, dove mi avete vista appesa a testa in giù". Quel primo contatto con la Cambogia la toccò nel profondo. Il paese del sud-est asiatico, con la sua storia complessa, la bellezza dei templi di Angkor e le cicatrici ancora aperte del regime dei Khmer Rossi, la spinse a guardarsi dentro e a interrogarsi sul proprio ruolo nel mondo.

Da quel viaggio nacque un impegno che sarebbe diventato centrale nella sua vita: l'attivismo per i diritti umani. La Cambogia divenne la sua seconda casa, tanto che nel 2002 Angelina adottò il suo primo figlio, Maddox Jolie-Pitt, proprio da un orfanotrofio cambogiano. "Penso alla mia vita e a tutte le cose che ho quasi evitato di fare, che ho quasi saltato, e che avrebbero cambiato il corso della mia vita", ha riflettuto l'attrice. Se avesse detto definitivamente no a Tomb Raider, non avrebbe mai viaggiato in Cambogia.

Non avrebbe scoperto quella parte del mondo che le ha aperto gli occhi sulla povertà, sulle conseguenze dei conflitti, sui bambini che crescono in condizioni disperate. Non sarebbe diventata l'ambasciatrice dell'UNHCR che conosciamo, impegnata in prima linea per i rifugiati e le vittime di guerre dimenticate. In questo senso, Tomb Raider si è rivelato qualcosa di molto più grande di un semplice film d'azione. È stato uno spartiacque esistenziale, un momento di trasformazione che ha ridefinito le priorità di una delle attrici più famose di Hollywood.

L'addestramento militare, i viaggi in location esotiche, le scene d'azione mozzafiato erano solo la superficie. Sotto c'era un percorso umano che l'ha portata a confrontarsi con realtà lontane dal lusso di Beverly Hills, insegnandole lezioni che nessun set cinematografico avrebbe potuto offrire. La dedizione di Angelina Jolie al personaggio di Lara Croft è indiscutibile. Nonostante i dubbi iniziali sui pantaloncini e sulla scena di combattimento, l'attrice si è immersa completamente nel ruolo, affrontando un training fisico intenso per rendere credibili le acrobazie e i combattimenti. Voleva che il pubblico vedesse una Lara vera, capace, atletica, non solo un volto bello davanti alla telecamera. E ci è riuscita.

L'83ª Mostra del Cinema di Venezia si apre con un gesto simbolico e una riflessione controcorrente. Greta Scarano e Nicolas Maupas, scelti come volti delle cerimonie di apertura e chiusura, rappresentano due generazioni di attori italiani: lei già affermata come attrice e regista, lui tra i nomi più promettenti del cinema contemporaneo. Ma è sul tema dell'appello pro-Palestina che le loro posizioni divergono, offrendo uno spaccato interessante su come la nuova generazione di artisti affronti le questioni politiche.

Sulla spiaggia del Lido, davanti ai fotografi, Greta Scarano ha sfoggiato un ventaglio decorato con un'anguria. Non un semplice accessorio estivo, ma un simbolo politico preciso: la polpa rossa, la scorza verde, la buccia bianca e i semi neri riproducono esattamente i colori della bandiera palestinese. Un messaggio visivo forte, coerente con la firma che l'attrice ha apposto sull'appello circolato nel mondo del cinema italiano.

"Certo, l'ho firmato perché è coerente con quella che è stata la mia posizione da sempre", ha dichiarato Scarano senza esitazioni. "Quindi non potevo banalmente non firmarlo". Per lei, la scelta è stata naturale, un'estensione di un percorso di impegno civile già consolidato. L'attrice, che ha conquistato due Nastri d'Argento – uno come attrice e uno come regista per il suo esordio dietro la macchina da presa – non è nuova a prese di posizione nette. Nicolas Maupas, invece, ha scelto una strada diversa.

Alla domanda diretta sull'appello, l'attore ha risposto con franchezza: "No, non ancora, ma questo perché sto valutando alcuni punti dal punto di vista sociale ed economico che voglio capire". Una pausa di riflessione in un contesto dove la pressione sociale spinge spesso verso adesioni immediate e spontanee. "Credo che una firma sia una cosa importante e la voglio apporre capendo quello che sto fare", ha spiegato Maupas.

Ma cosa pic.twitter.com/jAiPrcXWf5

— Il farmacista di Lavagna (@neodie) September 2, 2026

L'attore sembra incarnare una generazione che, pur partecipe e interessata alle dinamiche sociali, rifiuta l'adesione acritica e preferisce costruirsi un'opinione informata prima di esporsi pubblicamente. Durante la presentazione sulla spiaggia del Lido, entrambi gli attori hanno toccato altri temi significativi. Scarano ha affrontato la questione della scarsa presenza femminile nella regia, definendola "un problema sistemico". Secondo l'attrice e regista, il mestiere della regia deve diventare pienamente anche un mestiere femminile, superando automatismi culturali ancora legati a una società maschilista e patriarcale.

Con ironia, Scarano ha anche ricordato il suo rapporto con le sfide: "Se vuoi farmi fare una cosa, dimmi che non la posso fare". Un atteggiamento che l'ha portata a conquistare due Nastri d'Argento dopo essere stata respinta alla Silvio d'Amico per la regia. E con un sorriso ha liquidato il suo personaggio più iconico, Livia di Montalbano: "È stato un fuoco di paglia", ha detto della relazione tra la sua storica fidanzata e il commissario televisivo più amato d'Italia.

Maupas, dal canto suo, ha definito la conduzione della Mostra un "premio generazionale", sentendosi rappresentante di una generazione "estremamente interessante, partecipativa". Tra i suoi sogni c'è quello di tornare a Venezia con un film, come attore o, in futuro, come regista. Quanto ai modelli di riferimento, l'attore ha scelto Nino Manfredi, attore capace di unire profondità interpretativa e popolarità trasversale.

HBO Max ospita uno dei franchise di fantascienza più ambiziosi degli ultimi anni, un universo narrativo che sta riuscendo nell'impresa di combinare l'epicità spaziale di Star Wars con la complessità politica di Game of Thrones. Stiamo parlando di Dune, la saga tratta dai romanzi di Frank Herbert che ha conquistato prima il cinema e poi il piccolo schermo, trasformandosi in un fenomeno culturale destinato a espandersi ulteriormente. Il paragone con i due colossi dell'intrattenimento non è casuale né esagerato. Star Wars rappresenta il franchise di fantascienza più iconico della storia del cinema, quello che ha definito l'immaginario collettivo di intere generazioni.

Dall'altra parte, Game of Thrones ha ridefinito gli standard della serialità televisiva fantasy, diventando uno spettacolo globale che ha tenuto incollati milioni di spettatori per otto stagioni. Entrambi hanno costruito universi narrativi vastissimi, espansi attraverso film, serie tv e altri media. Dune sta seguendo una traiettoria simile, ma con una marcia in più. La saga di Arrakis ha già conquistato il grande schermo con una trilogia cinematografica che sta ridefinendo cosa significhi fare fantascienza epica nel ventunesimo secolo.

I film hanno dimostrato che esiste ancora spazio per racconti visionari, complessi e visivamente sbalorditivi, capaci di attrarre tanto i fan dei romanzi originali quanto un pubblico completamente nuovo. Ma il vero colpo di genio è stato l'espansione sul fronte televisivo. Dune: Prophecy rappresenta il primo tassello della dimensione seriale del franchise su HBO Max. Una serie tv che non si limita a raccontare eventi collaterali o storie minori, ma che esplora la mitologia dell'universo di Herbert con la stessa ambizione e profondità che hanno reso Game of Thrones un fenomeno culturale. L'approccio è chiaro: costruire un ecosistema narrativo in cui cinema e televisione si alimentano a vicenda, offrendo agli spettatori molteplici punti d'accesso a un mondo ricchissimo di sfaccettature.

Quello che rende Dune particolarmente affascinante è proprio questa capacità di fondere elementi apparentemente inconciliabili. Da un lato c'è l'avventura fantascientifica, con i viaggi spaziali, le tecnologie futuristiche e i mondi alieni che richiamano l'epica di Star Wars. Dall'altro c'è l'intrigo politico, le casate nobiliari in lotta per il potere, le alleanze tradite e le profezie che si intrecciano con il destino dei protagonisti, elementi che fanno pensare immediatamente alle dinamiche di Westeros.

Ma Dune non è una semplice somma di ingredienti presi in prestito. Il deserto di Arrakis, con i suoi vermi delle sabbie giganteschi e la spezia che garantisce il controllo dell'universo conosciuto, crea un'identità visiva e narrativa unica. I Fremen, le Bene Gesserit, gli Atreides e gli Harkonnen non sono semplici fazioni in guerra: rappresentano filosofie, culture e visioni del mondo profondamente diverse, che si scontrano in un conflitto dalle dimensioni epiche. Il successo di questa formula è evidente nei numeri e nell'accoglienza del pubblico.

La trilogia cinematografica ha dimostrato che esiste ancora fame di racconti ambiziosi, mentre Prophecy ha trovato la sua nicchia tra gli appassionati di serialità complessa. HBO Max ha capito il potenziale del franchise e sta investendo per renderlo uno dei pilastri della piattaforma, esattamente come Disney+ ha fatto con Star Wars e HBO aveva fatto con Game of Thrones. L'espansione dell'universo di Dune sembra destinata a continuare. Con una trilogia di film che sta costruendo la spina dorsale narrativa e una serie tv che esplora gli angoli più oscuri di questo mondo, il franchise ha tutte le carte in regola per diventare uno dei fenomeni culturali dominanti del prossimo decennio.

La ricchezza del materiale originale offre possibilità narrative praticamente infinite, e l'interesse dimostrato dal pubblico suggerisce che l'appetito per storie ambientate su Arrakis è tutt'altro che esaurito. Il vero test sarà la capacità di mantenere alta la qualità narrativa e produttiva nel tempo. Game of Thrones ha dimostrato quanto sia difficile portare a termine un'epopea di queste dimensioni senza deludere il pubblico, mentre Star Wars ha attraversato alti e bassi nel suo percorso di espansione. Dune ha il vantaggio di poter imparare da questi precedenti, costruendo un universo condiviso che bilanci l'ambizione creativa con la coerenza narrativa.

Per gli appassionati di fantascienza e fantasy epico, HBO Max si sta trasformando nella destinazione ideale. Mentre altre piattaforme cercano di replicare il successo dei grandi franchise, Dune sta costruendo qualcosa di autenticamente originale, un mondo che onora la complessità della fonte letteraria senza rinunciare allo spettacolo visivo che il pubblico contemporaneo si aspetta. Il deserto di Arrakis è solo all'inizio della sua conquista, e tutto lascia pensare che il meglio debba ancora arrivare.

Ci sono film che il tempo consuma, riducendoli a reliquie nostalgiche da tirare fuori ogni tanto per sentimentalismo. Fight Club non è uno di questi. A distanza di oltre 27 anni dalla sua uscita nei cinema americani, il 15 ottobre 1999, il capolavoro di David Fincher continua a stupire, inquietare e svelare nuovi livelli di lettura a ogni visione. Tratto dal maleodorante romanzo di Chuck Palahniuk, questo film puzza ancora di sudore, è impregnato di sangue e lacrime, ha il tanfo delle storie più sporche e crudeli. E nemmeno tutto quel sapone fabbricato da Tyler Durden può ripulire lo schifo in cui Fincher ci ha deliberatamente immersi.

La storia di un uomo talmente privo di personalità da non meritarsi nemmeno un nome, interpretato da un Edward Norton sfatto e disorientato come non mai, è diventata uno dei film cult più influenti di sempre. Un manifesto sulla sociopatia, sull'impotenza e sulla violenza come unico modo in cui alcune persone dimostrano al mondo di esistere. Una fotografia impietosa dell'occidente globalizzato, massificato, annoiato dal benessere e alienato dal troppo che si rivela nulla. Ma ciò che rende Fight Club un'opera davvero magistrale è la sua costruzione millimetrica.

Fincher, da sempre interessato al lato più squallido dell'umanità, ha disseminato il film di indizi visivi che anticipano il colpo di scena finale, quello che ha sorpreso milioni di spettatori rivelando che il Narratore e Tyler Durden sono la stessa persona. Indizi nascosti in piena vista, visibili solo a uno sguardo davvero attento o, più probabilmente, a una seconda visione consapevole. Il primo indizio appare in una scena apparentemente insignificante. Il Narratore risponde a una telefonata di Tyler da una cabina telefonica pubblica. Niente di strano, giusto? Eppure, sulla cabina è scritto chiaramente che non si possono ricevere chiamate in entrata.

Un dettaglio che passa completamente inosservato alla prima visione, ma che conoscendo il finale diventa cristallino: il Narratore sta parlando solo con se stesso. Tyler Durden è un prodotto della sua mente frammentata, e quella conversazione telefonica è semplicemente impossibile nella realtà. Fincher inserisce questo particolare in modo talmente sottile che il nostro cervello lo registra inconsciamente senza elaborarlo razionalmente. Il secondo indizio è ancora più audace nella sua palese incongruenza. Poco prima del celebre incidente automobilistico, Tyler è chiaramente alla guida del veicolo. Ma quando l'auto si ribalta e la scena si dissolve nel caos, accade qualcosa di curioso: Tyler esce dal lato del passeggero, mentre va a soccorrere il Narratore dal lato del conducente. I ruoli si sono invertiti. Questo piccolo ma potente dettaglio visivo rappresenta perfettamente come le identità dei due personaggi si confondano e si sovrappongano completamente nella psiche del protagonista.

La cosa più affascinante è che persino il montatore del film, Jim Haygood, inizialmente pensò si trattasse di un errore di continuità. Dopo aver notato l'incongruenza durante il montaggio, Haygood avvertì David Fincher, suggerendo che forse sarebbe stato necessario rigirare la scena. La risposta del regista fu lapidaria: quella scelta era assolutamente voluta. Il dettaglio serviva proprio a insinuare, inconsciamente nello spettatore, che i due personaggi erano in realtà la stessa persona. Una conferma ulteriore di quanto ogni singolo elemento in Fight Club sia stato pensato con estrema, quasi ossessiva precisione.

Il terzo trucco visivo che Fincher adopera è forse il più sottile e disturbante. In diverse scene, mentre il Narratore è impegnato nelle sue attività quotidiane, Tyler Durden appare sullo schermo per frazioni di secondo, fotogrammi isolati che il nostro occhio registra senza che la nostra mente conscia li elabori. Queste apparizioni subliminali avvengono ben quattro volte prima che il Narratore incontri ufficialmente Tyler sull'aereo. È lo stesso espediente che il personaggio di Brad Pitt usa nel film quando lavora come proiezionista, inserendo immagini oscene nelle pellicole per disturbare inconsciamente gli spettatori ignari. Attraverso questo stratagemma, Fincher non si limita a introdurre Tyler Durden nella trama: ne insinua la presenza direttamente nell'inconscio dello spettatore, esattamente come Tyler si sta manifestando nell'inconscio del Narratore.

La figura dell'anarchico carismatico si imprime lentamente nella nostra mente, preparando il terreno al crollo delle certezze narrative. E per par condicio, proprio come il suo personaggio, Fincher inserisce nel finale un frame in cui appare un pene, imitando per filo e per segno il buon Tyler. Ma le stranezze e i dettagli nascosti non finiscono qui. Nella scena in cui il Narratore e Durden prendono l'autobus insieme, viene pagato un solo biglietto. Un'incongruenza che a una seconda visione diventa lampante e rivelatoria. Come può esistere una sola persona se ne vediamo chiaramente due?

La metanarrativa di Fight Club si spinge ancora oltre con un altro elemento che molti spettatori hanno notato solo dopo ripetute visioni: l'onnipresenza dei bicchieri di Starbucks. In quasi ogni singola scena del film compare una tazza del colosso del caffè, posizionata in modo più o meno discreto nell'inquadratura. Per un film che demolisce spietatamente il consumismo e la cultura dei brand, questa scelta potrebbe sembrare contraddittoria, ma è in realtà un colpo di genio. Fincher ha raccontato che l'idea nacque dalla sua esperienza personale a Los Angeles negli anni Ottanta, quando bere una tazza di caffè decente in città era quasi impossibile. L'arrivo di Starbucks sembrò una benedizione, ma la sua rapida espansione divenne presto opprimente, trasformando qualcosa di utile e piacevole in un simbolo di eccesso capitalista. Le tazze nel film diventano quindi una metafora visiva di quanto profondamente il consumismo si sia insinuato in ogni angolo della vita moderna.

Si fondono con la scena esattamente come gli spot pubblicitari nella vita reale, rispecchiando il modo in cui noi consumatori accettiamo di essere influenzati senza porci domande. La cosa più ironica è che Starbucks accettò di partecipare al film. L'azienda lesse la sceneggiatura e si dimostrò disposta a prendersi in giro, con un solo limite: non voleva che il suo nome comparisse sulla caffetteria distrutta dall'opera d'arte aziendale nella famosa sequenza. Per il resto, via libera. Una collaborazione che la dice lunga sulla sicurezza del brand, ma che si allinea perfettamente con la natura paradossale di Fight Club, un film che critica il consumismo dall'alto della sua natura di prodotto hollywoodiano di successo.

Sul set, Brad Pitt ed Edward Norton si sono immersi completamente nei loro ruoli. I due attori hanno frequentato corsi di lotta per risultare credibili negli scontri violenti e hanno persino imparato a fabbricare sapone proprio come i loro alter ego cinematografici. Pitt si fece davvero scheggiare un dente per il film, anche se non nella scena che si potrebbe pensare. Fincher disse a Norton di colpire Brad sul serio nella sequenza fuori dal locale, senza mettere Pitt al corrente della cosa. La reazione di sorpresa e rabbia che vediamo sullo schermo è quindi assolutamente spontanea e autentica. Anche la sbronza dei due attori nella sequenza in cui lanciano palline da golf era reale, tanto che colpirono il camion del catering.

Tra i trucchi di scena più efficaci c'è quello studiato per rendere verosimile l'enorme petto di Bob, il malato terminale obeso in cui Norton affonda il volto durante quegli abbracci intensi che sono diventati iconici. La scena racconta alla perfezione la profonda apatia di un uomo che ha bisogno di nutrirsi del male altrui per sentirsi bene. Quel petto commovente e grottesco era in realtà un sacco di mangime per uccelli del peso di circa 50 chili applicato sul corpo dell'attore. La cinefilia consumata di Fincher emerge in diversi momenti.

Il fiato gelido emesso da Norton nella scena ambientata nella caverna congelata è esattamente quello di Leonardo DiCaprio nel finale di Titanic, inserito successivamente in post-produzione. E c'è anche un raffinato omaggio che Christopher Nolan fece a Fincher pochi mesi dopo: in Memento, il numero di telefono di Teddy è lo stesso di Marla Singer. Fight Club è l'incubo in cui ci siamo svegliati troppe volte, una delle allucinazioni più lucide viste al cinema. Un cult assoluto che non ha perso un briciolo della sua potenza dopo un quarto di secolo. E se non avevate notato questi dettagli prima, ora siete invitati a guardare il film con occhi diversi, pronti a cogliere ogni sfumatura nascosta da Fincher in ogni fotogramma di questa opera perfettamente imperfetta.

Polignano a Mare Città della Musica 2026: il programma dal 4 al 7 settembre tra concerti e cinema

Si completa il programma della nuova edizione di "Polignano a Mare Città della Musica": dal 4 al 7 settembre quattro giorni tra musica, cinema, cultura e canzone d'autore.

4 settembre: "In Viaggio" con Syria, Peppe Voltarelli e l'Orchestra Sinfonica di Sanremo, e con Davide Mancini.

5 settembre: "Meravigliose" con Erica Mou, Carolina Bubbico, Cinzia Tedesco, Gaia Gentile, Rachele Andrioli e Coro a Coro e l'Orchestra Sinfonica di Sanremo, e con Antonella Carone.

6 settembre: i live di Marco Castello, Anna Castiglia, Frankie hi-nrg mc e Daniele Silvestri, con Luca De Gennaro.

7 settembre: "Al cinema con Modugno", proiezioni in collaborazione con il Centro Sperimentale di Cinematografia – Cineteca Nazionale.

È tutto pronto per la nuova edizione di "Polignano a Mare Città della Musica", il progetto promosso dall'Amministrazione comunale di Polignano a Mare in collaborazione con Regione Puglia e Puglia Culture, che dal 4 al 7 settembre torna ad animare la città con "Tra Domenico Modugno e la canzone d'autore". Quattro giornate tra concerti, incontri, cinema e approfondimenti che vedranno protagonisti alcuni dei nomi più rappresentativi della scena musicale italiana: dall'Orchestra Sinfonica di Sanremo, insieme a Syria e Peppe Voltarelli, fino alle cinque artiste pugliesi protagoniste di "Meravigliose", Erica Mou, Carolina Bubbico, Cinzia Tedesco, Gaia Gentile e Rachele Andrioli, per arrivare a Marco Castello, Anna Castiglia, Frankie hi-nrg mc e Daniele Silvestri, protagonisti della serata dedicata a quattro importanti voci della canzone d'autore più contemporanea.

Dopo l'appuntamento dello scorso aprile con "Nel segno di Domenico Modugno – Canzone d'autore, cinema, luoghi del cuore", e dopo una stagione che ha visto "Polignano a Mare Città della Musica" raccontare il territorio attraverso linguaggi musicali diversi, dal tango al jazz, dalle bande cittadine alla musica brasiliana, passando per la musica classica, il progetto prosegue il proprio percorso attraverso la musica e il cantautorato, consolidandosi come una proposta culturale diffusa. L'edizione 2026 conferma infatti l'evoluzione di "Polignano a Mare Città della Musica" in un progetto culturale che intreccia spettacolo, formazione, cinema e valorizzazione del territorio, partendo dalla figura di Domenico Modugno per aprirsi ai protagonisti della canzone d'autore italiana contemporanea e a nuovi linguaggi artistici.

Venerdì e sabato: letture, il concerto "In Viaggio" e la festa "Meravigliose" con l'anteprima dell'album di Modugno

Il programma prenderà il via venerdì 4 settembre alle 17.30 con "Nel blu dipinto di …libri", un appuntamento di letture ad alta voce dedicato alla musica e al rapporto tra infanzia e suono, vocalità, ritmo e verso, ospitato dalla Biblioteca di Comunità "Raffaele Chiantera". La sera alle 21, in piazza Suor Maria Giovanna Laselva, "In viaggio" porterà sul palco l'Orchestra Sinfonica di Sanremo, diretta da Giancarlo De Lorenzo, Syria e Peppe Voltarelli, con Davide Mancini, per un omaggio alla figura e all'eredità artistica di Domenico Modugno. A seguire, in piazza San Benedetto alle 23, sarà Syria a proseguire la serata con un dj set.

Sabato 5 settembre il pomeriggio si aprirà alle 18.30 in piazza Aldo Moro con il concerto per voci di Coro a Coro, progetto di canto polifonico femminile ideato e diretto da Rachele Andrioli, prima dell'incontro pubblico "Con l'affetto della memoria: le radici del Sud nella canzone d'autore", in piazza San Benedetto, con Luca De Gennaro, Cosimo Modugno, Laura Rizzo, Stefano Senardi, Paolo Talanca e Peppe Voltarelli. Nel corso dell'incontro sarà inoltre presentata in anteprima la riedizione dell'album di Domenico Modugno "Con l'affetto della memoria" (1971), in uscita il 18 settembre per Sony Music Italy. La giornata culminerà alle 21 con "Meravigliose", il grande appuntamento dedicato alle voci femminili pugliesi: sul palco, accompagnate dall'Orchestra Sinfonica di Sanremo diretta da Valter Sivilotti, saliranno Erica Mou, Cinzia Tedesco, Carolina Bubbico, Gaia Gentile e Rachele Andrioli con Coro a Coro, accompagnate dalla narrazione di Antonella Carone. La serata proseguirà infine con il dj set di Luca De Gennaro alle 23.

Domenica e lunedì: i cantautori contemporanei e la chiusura con "Al cinema con Modugno"

Domenica 6 settembre saliranno sul palco alcune delle voci più rappresentative della scena cantautorale contemporanea per un concerto che si preannuncia già indimenticabile: Marco Castello, Anna Castiglia, Frankie hi-nrg mc e Daniele Silvestri, con la conduzione di Luca De Gennaro.

A chiudere la manifestazione, lunedì 7 settembre, sarà "Al cinema con Modugno", una serata dedicata al rapporto tra il grande artista e il cinema, realizzata in collaborazione con il Centro Sperimentale di Cinematografia – Cineteca Nazionale di Roma. In piazza San Benedetto, Massimiliano Pazzaglia e Vito Facciolla dialogheranno sul rapporto tra Modugno e il cinema, introducendo le proiezioni de "I provini al CSC di Domenico Modugno" e del film "Esterina" di Carlo Lizzani (1959), a cura del Centro Sperimentale di Cinematografia – Cineteca Nazionale di Roma.

Gli eventi serali si svolgeranno in piazza Suor Maria Giovanna Laselva alle ore 21.00 e in piazza San Benedetto, con incursioni nel centro cittadino, accesso libero.

Per informazioni: infopoint.polignanoamare2021@gmail.com

La direzione artistica della manifestazione è affidata a Stefano Senardi, mentre Luca Bernini cura il coordinamento artistico e la direzione della comunicazione. Evento promosso dall'Amministrazione comunale di Polignano a Mare, Regione Puglia e Puglia Culture a valere sulle risorse del Fondo di Rotazione POC 2021-2027 nel quadro dell'accordo tra Puglia Culture e Regione Puglia Sezione Turismo e su fondi del Comune di Polignano a Mare.

Il mondo del gossip italiano è stato scosso da una nuova, pesantissima rivelazione di Fabrizio Corona. Nella puntata di Falsissimo trasmessa lunedì 31 agosto, l'ex re dei paparazzi ha lanciato quella che potrebbe diventare la bomba dell'anno: Ignazio Moser avrebbe tradito la moglie Cecilia Rodriguez con la sorella di lei, Belen. Una storia che, se confermata, travolgerebbe uno dei nuclei familiari più esposti e seguiti del panorama televisivo italiano. Corona non ha parlato per sentito dire o sulla base di indiscrezioni.

Secondo quanto dichiarato durante il suo format online, sarebbe stata la stessa Belen a confidargli l'esistenza di questa relazione clandestina. La confessione sarebbe avvenuta tra il 2021 e il 2022, durante una serata trascorsa insieme tra alcol e confidenze private. Una rivelazione intima, personale, che l'ex fotografo ha deciso di rendere pubblica davanti a oltre 831mila spettatori, il corrispettivo di un programma in prima serata sulle reti principali. Ma cosa ha spinto Corona a rompere quello che, fino a poco tempo fa, sembrava un rapporto ancora solido con l'ex compagna? Per anni i due avevano mantenuto un legame pubblico fatto di complicità, rispetto reciproco e persino affetto dichiarato.

La loro storia d'amore, nata alla fine degli anni Duemila, era stata una delle più seguite e fotografate dello spettacolo italiano. Anche dopo la separazione, Belen e Fabrizio avevano continuato a parlare bene l'uno dell'altra, a mostrarsi vicini in alcune occasioni, a non nascondere un rapporto che andava oltre la semplice conoscenza. Qualcosa però si è incrinato. E non da ieri. Già nelle ore precedenti alla messa in onda della puntata, Corona aveva diffuso sui social quella che presenta come una conversazione privata con Belen.

Nel messaggio attribuito alla showgirl compare una frase durissima: "Sono stata sempre impeccabile con te ma, se non hai voglia di confrontarti, ti rimando in galera". Un avvertimento che suona come una minaccia concreta, considerando il passato giudiziario dell'ex agente fotografico e i suoi rapporti complicati con la giustizia italiana. La reazione di Belen alla puntata di Falsissimo non si è fatta attendere. Rispondendo sui social a chi le chiedeva spiegazioni sulle rivelazioni di Corona, la showgirl ha dichiarato: "Sono serena. I reati sono reati, lui continua imperterrito".

Gli avrebbe chiesto di rispettare la propria sfera privata e, soprattutto, di tenere fuori dalla vicenda i figli. In un filmato diffuso dallo stesso Corona, la showgirl gli avrebbe consentito di parlare eventualmente del suo lavoro, ponendo però un limite netto quando il racconto coinvolge la dimensione familiare. Un confine che l'ex fotografo ha evidentemente deciso di oltrecare. Corona ha rivendicato il diritto di proseguire con il proprio format, presentando la propria attività come informazione e non come gossip fine a se stesso.

Una posizione che accompagna Falsissimo da mesi e che ha già portato il suo autore al centro di diverse controversie giudiziarie e mediatiche. Nel corso del 2026 Corona si è scontrato duramente con Mediaset. L'azienda ha contestato alcuni contenuti del format, ritenendoli diffamatori e denunciando anche l'utilizzo non autorizzato di immagini televisive. Una puntata è stata rimossa dopo una diffida legata al copyright, mentre Meta ha successivamente cancellato alcuni account riconducibili a Corona per violazioni delle proprie regole. Lo scontro è poi ulteriormente cresciuto con l'annuncio, da parte di Mediaset e Mfe, di richieste risarcitorie in sede civile per complessivi 160 milioni di euro nei confronti di Corona e delle società a lui riconducibili.

L'ex re dei paparazzi ha reagito annunciando a sua volta iniziative legali. In questo contesto, un eventuale contenzioso con Belen rappresenterebbe per Corona un ulteriore fronte di battaglia, forse quello più personale e doloroso. Ma torniamo al cuore della vicenda: Ignazio Moser e Cecilia Rodriguez. Al momento entrambi hanno scelto la strada del silenzio più assoluto. Nessuna conferma, nessuna smentita pubblica, nessuna replica diretta alle parole di Corona. Ed è proprio questo silenzio a rendere necessario distinguere con precisione i fatti dalle dichiarazioni. Il fatto è che Corona ha raccontato pubblicamente una presunta confessione ricevuta da Belen.

La rivelazione di Corona arriva in un momento particolarmente delicato per l'intera famiglia Rodriguez. Solo un anno fa le indiscrezioni su un profondo strappo tra Belen e Cecilia occupavano le pagine dei giornali e dei siti di gossip. Intorno alle cause di quel raffreddamento improvviso e inatteso si erano rincorse le ipotesi più svariate: dai retroscena del giornalista Gabriele Parpiglia su un presunto "gelo totale" legato ad atteggiamenti giudicati troppo confidenziali tra Belen e il cognato, fino alle voci su incomprensioni personali emerse durante la gravidanza di Cecilia.

Una tensione che la stessa Belen aveva poi confermato ai microfoni di Belve, ospite di Francesca Fagnani. "Non è che voglio giustificarmi, ma lei era incinta, gli ormoni un po' sballati e non mi voleva parlare. Io avevo fatto una marachella, ma lei non mi voleva parlare ed è durata abbastanza. Non posso dire questa cosa, era abbastanza grave", aveva dichiarato la showgirl senza scendere troppo nei dettagli. Una "marachella abbastanza grave" che ora, alla luce delle rivelazioni di Corona, assume una dimensione completamente diversa.

Pochi mesi dopo anche Cecilia, ospite del podcast Non lo faccio per moda di Giulia Salemi, aveva affrontato l'argomento ridimensionando l'accaduto a una semplice incomprensione familiare. "Con mia sorella avevo litigato, non mi sono sentita però di dirlo perché erano cose nostre, cose personali. Non ci siamo parlate per un po', la nostra è stata una litigata tra sorelle, non ci siamo capite", aveva rivelato. E sulla presunta crisi matrimoniale con Moser aveva detto senza filtri: "Io non ho mai litigato con Ignazio, non eravamo in crisi". Ora quelle dichiarazioni vengono rilette sotto una luce completamente nuova. La "marachella grave" di Belen potrebbe essere proprio quella confessata a Corona.

diciamo che adesso è tutto più chiaro,altro che
‘’ semplici litigi fra sorelle’ pic.twitter.com/kXqWVYPVar

— ?????? (@Romanticvibees_) September 1, 2026

Nelle ore precedenti alla pubblicazione della puntata, Belen aveva condiviso un messaggio nel quale raccontava di avere attraversato settimane difficili, di essersi sentita bersagliata e di avere pianto a lungo prima di cercare di reagire. Anche Selvaggia Lucarelli è intervenuta nella vicenda, prendendo posizione a favore di Rodriguez sui social. La giornalista ha ricordato le difficoltà raccontate pubblicamente dalla showgirl negli ultimi anni e ha criticato chi continua ad alimentare la pressione mediatica nei suoi confronti: "Infierire su di lei in questo momento fa schifo". Parole che sottolineano come la questione non riguardi solo il gossip o la cronaca rosa, ma anche la responsabilità di chi produce e diffonde contenuti che possono avere ripercussioni concrete sulla vita delle persone coinvolte.

La questione potrebbe risolversi nelle aule di tribunale, con querele, diffide e richieste di risarcimento. Oppure potrebbe continuare a vivere nella dimensione mediatica, alimentando settimane di copertine, servizi televisivi, discussioni sui social. Quello che è certo è che il rapporto tra Corona e Belen sembra essere arrivato a un punto di non ritorno. Quello che per anni era stato un legame solido, fatto di rispetto reciproco nonostante la fine della relazione sentimentale, si è trasformato in uno scontro frontale che coinvolge non solo i due ex compagni, ma l'intera famiglia Rodriguez e lo stesso mondo dello spettacolo italiano.

Nel 1999, Stephen Sommers consegnava al pubblico mondiale uno dei film d'azione più memorabili della storia recente del cinema. A distanza di quasi tre decenni, La Mummia continua a essere celebrata non solo come un cult intramontabile, ma anche come esempio perfetto di come si costruisce una narrazione cinematografica efficace. E tutto inizia nei primi minuti, con una scena d'apertura che nessun blockbuster moderno è ancora riuscito a eguagliare.

C'è qualcosa di magico in quei fotogrammi iniziali che immergono lo spettatore nell'antico Egitto del 1719 a.C. Il film non perde tempo in inutili preamboli: spalanca le porte di un mondo mitologico con la voce narrante del guerriero Medjai Ardeth Bay, interpretato da Oded Fehr. È lui a guidarci attraverso una storia antica quanto il tempo, intrecciata di passione proibita e sacrificio.

La vicenda del sacerdote Imhotep e della sua amante Anck-su-Namun, l'intoccabile favorita del Faraone Seti, viene dipinta con pennellate rapide ma indelebili. Quando i due amanti vengono scoperti e Anck-su-Namun si toglie la vita confidando nella capacità di Imhotep di resuscitarla, il film stabilisce un precedente narrativo straordinario.

Il sacerdote, accecato dall'amore, osa sfidare gli dei per riportare in vita la donna che ama. La sua punizione è terribile: viene mummificato vivo, sepolto con migliaia di scarabei carnivori, condannato a un'agonia eterna. Se qualcuno dovesse mai liberare i suoi resti, tornerebbe per scatenare la sua vendetta sul mondo. Questa apertura funziona su molteplici livelli simultaneamente. Prima di tutto, costruisce le regole di un universo fantasy con una chiarezza cristallina. In pochi minuti, lo spettatore comprende esattamente quali sono le poste in gioco, quali forze ancestrali sono state scatenate e perché.

Non c'è confusione, non ci sono domande senza risposta: solo una solida base narrativa su cui l'intera avventura può poggiare. Ma c'è dell'altro. La scena iniziale de La Mummia bilancia magistralmente tre elementi fondamentali: intrigo, tensione e costruzione del mondo. Mentre molti film moderni sacrificano uno di questi aspetti a favore degli altri, Sommers riesce a mantenerli tutti in perfetto equilibrio. La storia di Imhotep non è solo un'esposizione meccanica dei fatti: è emotivamente coinvolgente, visivamente spettacolare e narrativamente essenziale.

Il personaggio di Imhotep stesso viene definito con una profondità sorprendente. Il suo difetto fatale è l'amore, una debolezza universalmente comprensibile che lo rende un villain tridimensionale fin dal primo momento. Non è un mostro monodimensionale assetato di potere: è un uomo distrutto dalla perdita, disposto a bruciare il mondo intero pur di riavere ciò che ha perduto. Questa caratterizzazione pone le basi per tutto ciò che seguirà, compreso il contrasto con la coppia di protagonisti Rick ed Evelyn.

Il film anticipa infatti, già in queste scene iniziali, la dinamica romantica che si svilupperà tra i due eroi. Mentre Imhotep rappresenta un amore ossessivo, distruttivo e unilaterale, Rick ed Evelyn incarneranno una relazione basata sul rispetto reciproco e sulla parità. Quando più avanti Imhotep sceglierà Evelyn come sacrificio umano per resuscitare Anck-su-Namun, lei stessa commenterà sarcasticamente quanto sia "romantico" il piano del sacerdote mummificato.

È un momento di brillante scrittura che richiama direttamente ciò che abbiamo visto nella scena d'apertura. La bibliotecaria Evelyn è l'opposto di Anck-su-Namun: entrambe sono donne intelligenti e determinate, ma mentre la seconda usa la sua posizione per la distruzione, la prima dedica la sua vita alla preservazione della conoscenza e del mondo stesso. Questo contrasto speculare tra villain e eroi, già seminato nei primi minuti, rende il film narrativamente coeso dall'inizio alla fine. L'apertura de La Mummia appartiene a quell'epoca d'oro del cinema d'azione hollywoodiano della fine degli anni Novanta, quando nessuna premessa sembrava troppo audace e nessun ensemble troppo carismatico.

Stephen Sommers aveva capito che un grande film d'avventura deve essere prima di tutto un film per tutti: humor, romance e spettacolari sequenze d'azione si fondono in un cocktail perfettamente calibrato. Il cuore pulsante della storia è il trio formato da Rick O'Connell, Evelyn e suo fratello Jonathan. Rachel Weisz interpreta senza dubbio la protagonista assoluta del film, una rarità per il cinema d'azione dell'epoca. Evelyn è una donna colta, cresciuta tra egittologi, dotata di una mente brillante e di uno spirito avventuroso.

Suo fratello Jonathan porta invece una nota di caos controllato, mentre Rick O'Connell – il legionario interpretato da Brendan Fraser – completa il gruppo con il suo pragmatismo e il suo coraggio. La chimica tra questi tre personaggi è così potente da aver generato un'intera saga. Il successo del primo capitolo portò a La Mummia: Il ritorno nel 2001 e a La Mummia - La Tomba dell'Imperatore Dragone nel 2008. Anche se Rachel Weisz non partecipò al terzo film, l'affetto del pubblico per questi personaggi non si è mai spento.

Non a caso, l'attrice tornerà a vestire i panni di Evelyn in un quarto capitolo della saga, alimentando la nostalgia dei fan originali. Dietro le quinte, la produzione de La Mummia fu tutt'altro che semplice. Arnold Vosloo, l'attore che interpreta Imhotep, rischiò letteralmente di impazzire durante le riprese della scena del flashback in cui il suo personaggio viene mummificato: dovette rimanere bendato per quattro ore consecutive. La celebre scena in cui Evelyn distrugge accidentalmente la biblioteca fu girata in una sola ripresa, perché ricostruire gli scaffali per un secondo tentativo avrebbe richiesto un'intera giornata di lavoro.

Patricia Velásquez, che interpreta Anck-su-Namun, trascorse la maggior parte del film indossando solo un perizoma e accessori decorativi, con il resto del corpo coperto da bodypaint che richiedeva quattro ore di applicazione ogni giorno. Per garantire l'autenticità linguistica, un egittologo era presente sul set per aiutare gli attori con la pronuncia dell'antico egiziano. Le riprese in Marocco coinvolsero addirittura l'esercito locale come supporto logistico. Un dettaglio inquietante venne rivelato al cast solo a riprese concluse: ogni membro della troupe aveva un'assicurazione contro il rapimento.

Gli elicotteri erano costantemente in allerta per trasportare membri della crew all'ospedale più vicino a causa di morsi di scorpioni, serpenti e altri animali del deserto. Si dice che Leonardo DiCaprio fosse in lizza per il ruolo di Rick O'Connell, ma i suoi impegni con The Beach gli impedirono di partecipare. Secondo alcuni rumors, l'attore avrebbe persino chiesto di posticipare le riprese del film di Danny Boyle per poter entrare nel cast de La Mummia. Il film ottenne anche riconoscimenti ufficiali: fu nominato agli Oscar 2000 per il Miglior suono e vinse il Saturn Award per la Migliore musica, premio assegnato a Jerry Goldsmith per la sua magistrale colonna sonora che contribuì a creare l'atmosfera epica e avventurosa della pellicola.

Ciò che rende La Mummia un caso di studio ancora oggi è la sua capacità di essere simultaneamente educativa, emozionante e divertente. La scena d'apertura non si limita a gettare lo spettatore in medias res: lo istruisce sui miti egizi, sulle dinamiche di potere dell'antico regno, sui rituali di mummificazione e sulle credenze relative alla vita dopo la morte. Tutto questo senza mai risultare pesante o didascalica. È una lezione di sceneggiatura che molti blockbuster contemporanei sembrano aver dimenticato.

Nell'era dei cinecomic e delle saghe infinite, raramente vediamo film capaci di stabilire regole chiare, personaggi stratificati e conflitti emotivamente risonanti nei primi cinque minuti. Troppo spesso l'esposizione viene sacrificata sull'altare del ritmo frenetico, oppure viene diluita in dialoghi esplicativi che interrompono l'azione. La Mummia dimostra invece che si può avere tutto: spettacolo, sostanza e stile. La narrazione visiva di Sommers trasforma l'Egitto antico in un luogo vivo, pulsante di mistero e pericolo.

Le immagini della mummificazione di Imhotep, con gli scarabei che divorano la sua carne mentre viene sepolto vivo, restano impresse nella memoria collettiva di una generazione. Il film appartiene a quella categoria di opere che definiscono un'epoca culturale. Per i ragazzi cresciuti tra la fine degli anni Novanta e i primi anni Duemila, La Mummia non è solo un film d'azione: è un pezzo di identità generazionale, un ricordo condiviso che continua a unire milioni di spettatori in tutto il mondo.

Festival di Film di Villa Medici 2026: Un Appuntamento con il Cinema Contemporaneo a Roma

Dal 16 al 20 settembre 2026 si terrà la sesta edizione del Festival di Film di Villa Medici, un evento che esplora i legami tra cinema e arte contemporanea. Con oltre 40 proiezioni in cinque giorni, il festival si svolge negli spazi storici di Villa Medici, nel cuore di Roma, offrendo una panoramica di opere eterogenee che mettono in discussione e rinnovano il rapporto con le immagini in movimento.

Concorso Internazionale e Premi: La Giuria e i Riconoscimenti

La competizione ufficiale presenta dodici film recenti selezionati da una commissione internazionale. La giuria 2026 è composta dall’attrice e regista franco-iraniana Zar Amir Ebrahimi, dall’artista italiana Rosa Barba e dal regista rumeno Radu Jude. I premi assegnati sono il Premio Villa Medici al Miglior Film (5.000 euro) e il Premio Speciale della Giuria (3.000 euro), con la possibilità per i registi vincitori di soggiornare in residenza presso Villa Medici.

Film in Concorso: Un Panorama Internazionale di Cinema Sperimentale e Narrativo

• 1937, Daria Kim (Uzbekistan, 2025) – Anteprima: un’opera che rievoca la deportazione delle comunità coreane nell’Asia centrale, animando dipinti storici.
• A Woman’s Place Is Everywhere, Fanny Texier (Francia, USA, 2026) – Anteprima italiana: Il dramma delle gemelle minacciate di sfratto a Brooklyn dopo la morte della madre artista.
• An Incomplete Calendar, Sanaz Sohrabi (Canada, Iran, Turchia, Venezuela, 2026) – Anteprima: Un’analisi del petrolio come strumento politico nella storia panaraba.
• At Night, Beatrice Gibson (Francia, 2026) – Anteprima italiana: Sei donne a Parigi raccontano sogni e desideri nella notte illuminata dai neon.
• Hanabi, Ana Vaz (Francia, Brasile, 2026) – Anteprima italiana: Un film-poema che esplora il disastro nucleare giapponese attraverso una sperimentazione radicale.
• Jusqu’où la forêt, Romain Rampillon & Feda Wardak (Francia, 2026) – Anteprima mondiale: Due adolescenti cercano libertà in una foresta minacciata dall’urbanizzazione a Parigi.
• Marie Madeleine, Gessica Généus (Francia, Haiti, Belgio, Lussemburgo, Canada, 2026) – Anteprima italiana: La storia di una prostituta haitiana e il giovane evangelista che cambia la sua vita.
• Natural State, Majid Al-Remaihi (Qatar, Francia, 2025) – Anteprima mondiale: L’allegoria della fine di un sogno durante la guerra del Dhofar nel 1972.
• The Apple Doesn’t Fall…, Dean Wei (Francia, Taiwan, 2026) – Anteprima italiana: Un film-teatro coreografato che osserva una famiglia prigioniera dei propri rituali quotidiani.
• The Second Skin, Mariia Lapidus (USA, Messico, 2026) – Anteprima italiana: Stop-motion e performance per raccontare la resistenza delle sopravvissute ad abusi sessuali.
• Tutti Frutti, Céline Sciamma (Francia, 2026) – Anteprima italiana: Un diario filmato e saggio sull’immagine contemporanea, realizzato con materiali d’archivio e tecnologie moderne.
• Youth Youth Youth, Lorenzo Silvestri (Italia, 2025) – Anteprima mondiale: Un racconto personale e artistico sul suicidio e la memoria familiare.

Sezione Focus: Carte Blanches e Contrechamps

Oltre al concorso, la sezione Focus offre una selezione curata dai membri della giuria, con proiezioni di film d’artista e incontri esclusivi. Tra le Carte Blanches spiccano opere di Radu Jude, Zar Amir Ebrahimi e Rosa Barba. I Contrechamps propongono un dialogo tra film contemporanei e storici, con particolare attenzione ai lavori dei borsisti di Villa Medici.

Le Serate nel Piazzale: Proiezioni all’Aperto a Villa Medici

Ogni sera, nel suggestivo Piazzale di Villa Medici, si terranno proiezioni all’aperto di anteprime, film recenti e classici restaurati. Tra i titoli in programma figurano L’Inconnue di Arthur Harari, Coward di Lukas Dhont e Nagi Notes di Koji Fukada.

Villa Medici, la storia

Fondata nel 1666 da Luigi XIV, l’Accademia di Francia a Roma – Villa Medici è un’istituzione dedicata all’arte e alla cultura, situata in un edificio storico del XVI secolo con un parco di sette ettari sul Monte Pincio. Il festival si inserisce nel suo programma culturale, promuovendo il dialogo tra cinema e arti contemporanee.

Quando pensiamo a Zendaya oggi, le immagini che affollano la mente sono quelle di una diva contemporanea: la MJ dell'universo Marvel accanto a Tom Holland, la tormentata Rue Bennett di Euphoria, la magnetica Tashi di Challengers o l'eterea Chani di Dune. Una carriera costruita su scelte coraggiose, personaggi complessi e una consapevolezza artistica rara per chi, a settembre 2025, si prepara a spegnere appena 30 candeline.

Eppure c'è un capitolo della sua storia professionale che molti hanno dimenticato, o forse non hanno mai conosciuto: a soli 16 anni, Zendaya arrivò in finale a Dancing with the Stars, la versione americana di Ballando con le Stelle. Era il 2013 e la giovane attrice era già un volto noto grazie alla sitcom Disney Channel A tutto ritmo, dove interpretava Rocky Blue dal 2010.

Ma quella partecipazione al celebre talent show di danza rappresentò qualcosa di diverso, un ponte tra la formazione artistica dell'infanzia e l'ambizione di un'interprete che voleva controllare sempre di più il proprio destino professionale. Non fu una scelta casuale: la danza faceva parte del DNA di Zendaya ben prima che Hollywood bussasse alla sua porta. Nata a Oakland, in California, il 1° settembre 1996, Zendaya Coleman cresce in un ambiente naturalmente vocato allo spettacolo.

Sua madre, Claire Stoermer, lavora presso il California Shakespeare Theater e questo le permette di respirare teatro fin da bambina. La danza diventa una delle sue prime grandi passioni: per anni fa parte del gruppo Future Shock Oakland, cimentandosi con hip hop e hula, generi apparentemente lontani ma che forgiano una versatilità fisica e ritmica che sarebbe tornata utile. Parallelamente studia teatro, prende parte a produzioni shakespeariane e lavora come modella per importanti marchi statunitensi, comparendo in spot pubblicitari e produzioni musicali.

Quando Disney Channel la sceglie per A tutto ritmo, Zendaya ha già alle spalle una formazione solida. La sitcom la trasforma in una star del pubblico più giovane, ma lei non si accontenta. Nel 2013 pubblica il suo primo album omonimo, anticipato dal singolo Replay che raggiunge la Top 40 della Billboard Hot 100. La musica, tuttavia, finirà progressivamente in secondo piano rispetto alla recitazione. È in quello stesso anno che decide di mettersi alla prova in un contesto completamente diverso: Dancing with the Stars.

La sedicesima stagione del programma la vede come concorrente più giovane dell'edizione. Viene abbinata al ballerino professionista Valentin Chmerkovskiy e fin dalla prima puntata conquista l'attenzione di giudici e pubblico. Non è la solita giovane promessa televisiva che si cimenta con passi di danza per visibilità: Zendaya dimostra una preparazione tecnica sorprendente, affrontando coreografie che spaziano dal contemporaneo al tango, dal samba al cha-cha-cha. In alcune delle ultime serate ottiene punteggi praticamente perfetti, confermando che la danza non era un semplice complemento della sua formazione, ma una competenza reale e solida.

La coppia arriva fino alla finale, concludendo la competizione al secondo posto, battuta da Kellie Pickler e Derek Hough. Per molti fu un risultato notevole, considerando l'età e la concorrenza. Per Zendaya, tuttavia, quella finale persa rimase una piccola spina nel fianco. A distanza di anni l'attrice ha raccontato quel secondo posto come una delusione personale, pur riconoscendo che l'esperienza con Chmerkovskiy rappresentò un momento importante della sua crescita professionale. Quella determinazione, quel rifiuto di accontentarsi, quella fame di eccellenza raccontano molto della donna e dell'artista che sarebbe diventata.

Dopo Dancing with the Stars, Zendaya torna nell'universo Disney con K.C. Agente Segreto, dove non è soltanto protagonista ma assume anche un ruolo creativo più importante. È ormai evidente che dietro l'immagine della giovane star televisiva c'è un'interprete intenzionata a costruire una carriera vera, non una meteora da teen idol. Il salto definitivo arriva nel 2017, quando entra nell'universo Marvel con Spider-Man: Homecoming. Il suo personaggio, Michelle Jones (MJ), diventa progressivamente una figura centrale nella trilogia con Tom Holland, con il quale, tra le pagine di gossip, risulta essere convolata a nozze quest'anno.

Zendaya torna nei panni di MJ in Spider-Man: Far from Home e Spider-Man: No Way Home, fino a riprendere il ruolo nel 2026 con Spider-Man: Brand New Day. Nello stesso periodo recita in The Greatest Showman, ma è il 2019 a segnare il passaggio decisivo. Con Euphoria, nei panni di Rue Bennett, Zendaya abbandona definitivamente l'immagine rassicurante della stella Disney e affronta un personaggio complesso, tormentato, drammaticamente distante dai ruoli degli esordi.

La performance viene premiata con due Emmy consecutivi per la migliore attrice protagonista in una serie drammatica. Con la prima vittoria, nel 2020, diventa la più giovane interprete a conquistare il riconoscimento nella categoria. Nel 2022 ottiene il secondo Emmy, diventando anche la prima attrice nera a vincere due volte il premio in questa categoria. Nel 2026 è nuovamente candidata agli Emmy per Euphoria. Parallelamente arrivano Malcolm & Marie, Dune di Denis Villeneuve, Dune - Parte due e Challengers di Luca Guadagnino, film che confermano la sua capacità di muoversi tra generi molto diversi.

In particolare, il ruolo di Tashi in Challengers mostra una Zendaya più adulta e consapevole anche come produttrice, pronta a scommettere su progetti autoriali e rischiosi. Il 2026 rappresenta così una sorta di punto di passaggio: Zendaya non solo si sposa e torna nei panni di Rue, MJ e Chani, ma compare anche in Odissea di Christopher Nolan nel ruolo di Atena, confermandosi nome di richiamo per i più grandi registi contemporanei. Eppure tutto parte da lontano.

Fabrizio Corona aveva promesso la puntata delle puntate e almeno una promessa l'ha mantenuta: non ha risparmiato niente e nessuno. Soprattutto Belen Rodriguez, la donna che per anni ha descritto come la più bella, la più desiderata d'Italia, quella che in passato definì l'unica capace di gestirlo, di consigliarlo, l'unica che il suo cuore avrebbe mai amato davvero. Ora quella stessa donna finisce sul tavolo operatorio di Falsissimo per quasi un'ora e mezza, sezionata in ogni aspetto: amori, sesso, tradimenti, fragilità, presunti eccessi, rapporti familiari e cadute personali.

Una premessa è necessaria, una volta sola. Quello che segue è il racconto di Fabrizio Corona: accuse, ricostruzioni, confidenze che sostiene di aver ricevuto, episodi che dice di aver vissuto personalmente e altri appresi da terze persone. Per molte delle affermazioni più pesanti non vengono forniti riscontri indipendenti e non esiste contraddittorio. È la verità di Corona, raccontata come se fosse semplicemente la Verità.

La storia comincia quasi come una dichiarazione d'amore. L'ex re dei paparazzi ricostruisce la relazione con Belen, partendo dal colpo di fulmine scattato nei locali milanesi nei primi mesi del 2009. All'epoca lei era appena uscita dall'Isola dei Famosi, il reality show che le aveva regalato enorme popolarità, trasformandola nella showgirl più amata della televisione italiana. Corona decise di volare alle Maldive all'improvviso pur di raggiungerla, un gesto romantico che si trasformò in uno dei casi mediatici più eclatanti dell'epoca.

Le copertine dei giornali vennero travolte dai famosi scatti bollenti che ritraevano i due in spiaggia in atteggiamenti intimi e senza veli. Se all'epoca la coppia gridò allo scandalo contro l'intrusione dei fotografi, la verità emerse poi negli anni successivi: era stato proprio Corona a confessare di aver concordato e organizzato in segreto quel servizio fotografico, vendendo personalmente gli scatti intimi. La amava e monetizzava, un'abitudine che a giudicare dalla puntata di Falsissimo non sembra essergli passata.

Nel racconto di Corona, la relazione proseguì tra passione e progettualità. Racconta della gravidanza del 2011, dell'aborto spontaneo dopo circa due mesi, del dolore profondo e del desiderio di Belen di provare immediatamente ad avere un altro figlio. Descrive persino una vacanza alle Maldive organizzata praticamente attorno al concepimento, con rapporti programmati più volte al giorno. Poi il test negativo, la situazione giudiziaria che precipita e la consapevolezza che quella relazione era destinata a finire.

Anni dopo, ricordando quel momento con estrema schiettezza nella sua autobiografia, Corona scrisse parole che oggi suonano come una confessione inquietante: "Sei rimasta incinta. È stato lo stress, il dolore, la paura? No, non ci credo, è stato il destino: forse meritavi di più. Quel figlio lo volevi solo tu e non ho mai avuto il coraggio di dirtelo. Dopo l'aborto spontaneo, pregavo perché tu non restassi più incinta. Quando mi hai detto che il test era negativo, mi sono sentito sollevato". Ma Corona non racconta soltanto di aver amato Belen. Rivendica di averla costruita. "Io l'avevo plasmata bene", dice. E ancora: "L'ho creata. L'ho creata come la più grande diva italiana. Ho creato una coppia che faceva impazzire l'Italia".

Sostiene di aver progettato per lei una carriera internazionale, la Spagna, la musica, i grandi manager. Descrive la Belen dell'Isola dei Famosi come un fenomeno irripetibile: capelli sciolti, senza trucco, selvaggia, carismatica, senza filtri. Una donna che avrebbe potuto diventare una star internazionale. Poi, nella sua ricostruzione, sarebbe arrivata la scelta sbagliata: "Ha scelto la via di Maria De Filippi, ha scelto Mediaset, ha scelto la pochezza". Le accuse di Corona contro Maria De Filippi sono ormai un cavallo di battaglia di Falsissimo, ripetute in diverse occasioni e mai accompagnate da elementi capaci di trasformare la sua teoria in una verità dimostrata.

Questa volta, però, le inserisce direttamente nella storia sentimentale della sua ex. Sostiene di essere stato proprio lui a suggerire a Maria di portare Belen ad Amici. È lì che la showgirl incontra Stefano De Martino. Corona racconta di essersi insospettito, di aver controllato di nascosto il telefono della compagna e di aver letto una conversazione con la migliore amica nella quale Belen confessava l'attrazione per quel giovane ballerino, raccontando di sentire nuovamente le farfalle nello stomaco. Poi arriva Roma.

@fabrizioethiagocoronafan Fabrizio Corona pubblica la telefonata di Belen che si difende dalle accuse!?#fabriziocorona #belen #belenrodriguez #telefonata #chiamata #falsissimo #garlasco #inchiesta #papà #mamma #famiglia #figlio #bimbo #thiago #padre #caso #giornalista #chihaincastratoalbertostasi #gossip #tradimento #stefanodemartino #fashionblogger #coppia #sanremo #influencer #amici #mariadefilippi #signorini ♬ Chi ha incastrato Alberto Stasi completa - I VARIABILI

È da quella relazione che Corona fa partire la sua teoria sulla De Filippi. Secondo lui Maria conosceva già l'attrazione tra Belen e Stefano, conosceva la crisi con Corona, conosceva Emma Marrone, allora fidanzata con De Martino, e avrebbe messo insieme gli ingredienti sapendo perfettamente quale esplosione televisiva avrebbero prodotto. Corona rilegge persino uno dei momenti più famosi di Amici, Emma che canta Bella senz'anima, il pubblico che fischia Belen e la Rodriguez chiamata a spiegare pubblicamente di essersi innamorata, come una specie di antenato di Temptation Island: sentimenti autentici trasformati in televisione.

Maria viene descritta come una regista invisibile capace di utilizzare amori, gelosie e tradimenti per costruire programmi e ascolti. Corona arriva a paragonarla al creatore del mondo artificiale di The Truman Show. E la stessa regia, sostiene, sarebbe proseguita quando il matrimonio tra Belen e Stefano è entrato in crisi. De Martino si sarebbe ritrovato professionalmente senza una strada chiara e sarebbe tornato dalla sua vecchia mentore. La rottura definitiva tra Corona e Belen è giunta nei primi mesi del 2012.

Poco tempo dopo, la conduttrice si è legata a Stefano De Martino, con cui si è unita in matrimonio nel settembre del 2013 e ha avuto il primogenito Santiago. Corona, dal canto suo, ha intrapreso un complesso percorso personale e giudiziario: quando le sue vicende giudiziarie rischiarono di compromettere contratti e apparizioni televisive, Rodriguez scelse comunque di rimanere al suo fianco, offrendogli sostegno umano e pubblico anche nei momenti del fermo e della detenzione.

Nonostante la fine della relazione, il legame di stima e affetto reciproco non si era mai spezzato. Almeno fino a oggi, come dichiarato da entrambe le parti. Nella sua autobiografia Non mi avete fatto niente, Corona aveva descritto l'importanza di Rodriguez nella sua vita con parole inequivocabili: "In realtà, come ho già detto, il mio cuore appartiene solo e unicamente a una persona, colei che mi sa gestire, colei che mi sa consigliare, colei che ancora non è venuta dalla mia parte solo perché sono Fabrizio Corona, ma anzi mi mette da parte. E lei è Belen Rodriguez".

Il panorama televisivo degli ultimi vent'anni è stato letteralmente invaso dalle serie crime. Un genere che ha conquistato le reti televisive di tutto il mondo, diventando uno dei più popolari in assoluto. Eppure, con un campo così affollato, la sensazione di saturazione e di formularità è dietro l'angolo. Troppe serie che seguono schemi identici, personaggi intercambiabili, indagini che si risolvono sempre allo stesso modo. In questo mare magnum di procedurali, Bones è riuscita a ritagliarsi uno spazio tutto suo.

Debuttata su Fox nel settembre 2005, la serie con protagonisti Emily Deschanel e David Boreanaz ha trovato la propria identità senza stravolgere le convenzioni del genere. Non ha reinventato la ruota, ma l'ha fatta girare in modo diverso. Mentre molti considerano i procedurali come una sorta di comfort viewing, qualcosa da guardare distrattamente mentre si fa altro, Bones ha aggiunto uno strato di complessità che richiedeva attenzione. La serie premiava chi seguiva con cura, chi prestava attenzione ai dettagli, chi si sintonizzava settimana dopo settimana.

Una caratteristica ancora rara nel genere. Il segreto del successo di Bones risiede nell'equilibrio perfetto tra due mondi apparentemente distanti: la scienza forense e il lavoro sul campo. La maggior parte delle serie crime si concentra su un solo aspetto dell'indagine, relegando l'altro a comprimario o elemento di contorno. Bones ha fatto una scelta coraggiosa: mostrare entrambi i lati dell'investigazione e trattarli con uguale dignità e importanza. Questa struttura bilanciata ha creato una dinamica fresca tra i protagonisti, l'antropologa forense Temperance Brennan e l'agente dell'FBI Seeley Booth.

Attraverso i loro occhi, lo spettatore assisteva sia alla scienza dietro l'indagine sia al lavoro investigativo tradizionale. Gli episodi si dividevano equamente tra il laboratorio del Jeffersonian Institute, dove Bones conduceva le analisi sui resti umani, e le strade, dove Booth interrogava sospetti e seguiva le piste. Questo equilibrio tra prospettive diverse non era solo una scelta stilistica, ma il vero motore narrativo della serie, capace di spingerla avanti per oltre un decennio. Le due visioni si complementavano e, spesso, si scontravano.

Il progresso nelle indagini nasceva tanto dai loro disaccordi quanto dalle convergenze. Bones sottolineava costantemente che esisteva più di un modo per risolvere un caso, che la verità emergeva dall'integrazione di competenze diverse, non dalla supremazia di un approccio sull'altro. La razionalità scientifica e fredda di Temperance si scontrava con l'intuito e l'empatia di Booth, creando un confronto continuo che arricchiva la narrazione. Questa doppia prospettiva permetteva alla serie di attrarre un pubblico più ampio.

Da un lato gli appassionati di scienza forense e medicina legale, dall'altro chi preferiva l'azione e la psicologia investigativa tradizionale. Tutti trovavano qualcosa in cui identificarsi, un personaggio che rappresentasse il proprio modo di guardare alla risoluzione dei crimini. E la chimica tra Deschanel e Boreanaz faceva il resto, trasformando quello che poteva essere un semplice espediente narrativo in una relazione complessa e credibile. Bones non aveva paura di sperimentare con il tono. La serie alternava momenti drammatici a una commedia leggera, talvolta persino dark, che la rendeva accessibile e mai troppo pesante.

Questa flessibilità ha raggiunto il suo apice nell'undicesima stagione, quando Bones ha realizzato un crossover con la serie soprannaturale Sleepy Hollow. Un episodio che sulla carta non avrebbe dovuto funzionare, considerando quanto fossero distanti i due universi narrativi, eppure ha dimostrato quanto la struttura della serie fosse solida e adattabile. Non importava quanto lontano si spingesse dalla formula originale: Bones ritornava sempre al nucleo che l'aveva resa vincente. La forza del contrasto tra le visioni di Temperance e Booth teneva insieme la serie anche nei suoi momenti più eccentrici.

La fondazione era così robusta da sopravvivere a cambiamenti di tono, esperimenti narrativi e persino a undici cambi di giorno e orario di programmazione nel corso delle dodici stagioni. Questa resilienza strutturale è stata determinante per la longevità della serie. Bones non si è mai fatta intrappolare in un'identità troppo specifica, ma non ha mai nemmeno perso di vista la propria essenza. Poteva essere seria o ironica, scientifica o emotiva, procedural o serializzata, senza mai tradire se stessa. Una capacità camaleonica che poche serie possono vantare, specialmente nel rigido formato dei network crime drama. L'attenzione ai dettagli di entrambi i lati dell'indagine ha fatto la differenza.

Molte serie crime tendono a semplificare la componente forense, usando la scienza come una sorta di deus ex machina che risolve magicamente i casi. Bones invece dedicava tempo e cura nel mostrare i processi, nel rendere comprensibile la complessità dell'antropologia forense, nel trasformare ossa e tessuti in narrazioni che ricostruivano le vite delle vittime. Questo rispetto per l'intelligenza del pubblico ha creato un legame duraturo con gli spettatori. La serie si è conclusa nel 2017, ma quasi un decennio dopo continua a vivere. Ha mantenuto una base di fan dedicati e una presenza nella cultura popolare che molte altre serie dello stesso periodo hanno perso.

Mentre contemporanee apparentemente più acclamate sono scivolate nell'oblio, Bones prospera sulle piattaforme di streaming, conquistando nuove generazioni di spettatori che scoprono la sua formula unica. Questo successo postumo non è casuale. Bones era stata progettata per accogliere nuovi spettatori in qualsiasi momento, permettendo loro di seguire la storia anche senza aver visto gli episodi precedenti, ma simultaneamente premiava chi restava fedele, creando archi narrativi complessi e sviluppando i personaggi nel lungo periodo. Una doppia strategia che pochi showrunner riescono a bilanciare con efficacia.

La serie rappresenta un modello ancora attuale di come si possa lavorare all'interno di un genere saturo senza necessariamente rivoluzionarlo. Non serve sempre distruggere le convenzioni per creare qualcosa di memorabile. A volte basta comprendere profondamente le regole del gioco e trovare un angolo inesplorato, una prospettiva fresca su dinamiche familiari. Bones ha dimostrato che l'intelligenza di una serie non sta nella complessità fine a se stessa, ma nella capacità di rispettare tutte le componenti della storia che si vuole raccontare.

In un'epoca in cui il termine "procedural" è spesso usato con una connotazione negativa, come sinonimo di televisione pigra e prevedibile, Bones rimane la prova vivente che il formato può essere elevato, che le formule possono essere rinfrescate senza essere abbandonate. La serie ha mostrato che si può essere comfort viewing e intelligenti allo stesso tempo, che si può chiedere al pubblico di prestare attenzione senza alienarlo con pretenziosità. La sua eredità continua a influenzare le produzioni crime contemporanee, anche se spesso in modo sotterraneo.

L'idea di bilanciare prospettive diverse, di dare peso uguale a componenti narrative tradizionalmente sbilanciate, di costruire relazioni tra protagonisti basate sul contrasto costruttivo piuttosto che sul conflitto sterile: questi elementi sono diventati parte del DNA delle serie procedurali di qualità degli ultimi anni. Bones ha tracciato una strada che altri hanno seguito, spesso senza nemmeno rendersene conto.

Dal 4 al 12 settembre 2026, dopo il successo delle precedenti edizioni, torna il Carpi Film Fest e il centro storico della città si trasforma in un grande palcoscenico tra cinema, musica, teatro, psicologia e incontri con grandi protagonisti del panorama culturale italiano.

Tra gli ospiti di questa nuova edizione: Matteo Garrone, regista, sceneggiatore e produttore tra i più autorevoli del cinema italiano contemporaneo, cui verrà consegnato il Premio Arti del Cinema; Luca Ward, attore e doppiatore, voce inconfondibile del nostro cinema; Antonio Catania, attore caratterista tra i più apprezzati del cinema e della televisione italiana.

Carpi Film Fest 2026: chi è, dove si svolge e come partecipare

Dal 4 al 12 settembre 2026 torna Carpi Film Fest: il centro storico della città di Carpi ospiterà una nuova edizione della manifestazione dedicata al cinema come luogo di incontro tra linguaggi artistici, idee e cultura. L'edizione 2026 si conferma come un'importante iniziativa culturale per la valorizzazione della cultura cinematografica in Emilia-Romagna, offrendo un ricchissimo calendario di appuntamenti con ospiti d'eccezione, rivolti a spettatrici e spettatori di tutte le età. L'ingresso agli eventi sarà gratuito, ad eccezione di due eventi speciali serali.

La manifestazione è ideata e organizzata dell'Associazione culturale Quelli del '29, in collaborazione con il Comune di Carpi, il sostegno dell'Emilia Romagna Film Commission e della Regione Emilia Romagna, con il supporto della Fondazione Cassa di Risparmio di Carpi in occasione degli eventi speciali, lo sponsor Sinergas e di Radio Bruno come media partner.

Riccardo Righi, Sindaco di Carpi, a proposito della manifestazione: «Il Carpi Film Fest è un festival capace di parlare a pubblici diversi, per età, interessi e sensibilità, portando nel cuore della città cinema, musica, incontri e occasioni di approfondimento di qualità. Ringrazio Quelli del '29 per il lavoro e la passione con cui, anno dopo anno, fanno crescere questa manifestazione».

L'Assessore alla Cultura, Giuliano Albarani, aggiunge: «Il Carpi Film Fest intende valorizzare tutti gli aspetti della cultura e della formazione cinematografica: i film, naturalmente, ma anche le professioni del cinema, il rapporto con le altre arti e il nesso profondo tra cinematografia e memoria collettiva. Per questo rappresenta l'ideale apertura del settembre delle grandi rassegne carpigiane, che prosegue con Festival Filosofia, Carpinscienza e Festa del Racconto, in un percorso che intreccia cinema, pensiero, scienza, letteratura e cultura».

Conclude Paolo Di Nita, presidente e direttore artistico del festival: «Siamo felici di constatare che il Carpi Film Fest, giunto alla sua quarta edizione, prosegue il suo cammino ampliando il programma e le numerose proposte. Si riconferma, come diciamo spesso, un laboratorio culturale per coloro che conoscono il mondo del cinema e coloro che vogliono scoprirne i segreti attraverso l'incontro con i numerosi professionisti che animano le masterclass e le serate. È bellissimo vedere Carpi trasformata per 10 giorni in una piccola grande capitale del film in tutte le sue forme».

Carpi Film Fest 2026: il tema conduttore Narrazioni e Arti

Il filo conduttore di questa edizione è "Narrazioni e Arti", con una programmazione tra opere e incontri che rompono gli schemi e attraversano i confini della cinematografia, tra teatro, letteratura, psicologia, arti visive e musica. La manifestazione propone infatti appuntamenti capaci di esplorare il racconto cinematografico attraverso il dialogo con le altre arti, in un crocevia creativo che diventa un laboratorio vivo per il pubblico.

Carpi Film Fest 2026: i 34 appuntamenti della rassegna, tra masterclass e documentari

Il Carpi Film Fest 2026 arricchisce la sua programmazione con l'aggiunta di alcune novità, proponendo una kermesse ancora più ricca e variegata, con 34 appuntamenti pensati per coinvolgere il pubblico in un'esperienza culturale ancora più stimolante e completa.

Accanto ai film in programma, nell'Arena di Piazzale Re Astolfo, si snodano una serie di appuntamenti che ampliano il racconto e rendono la rassegna un luogo di scoperta, dialogo e approfondimento. Tornano le introduzioni d'autore di Aspettando il film con... prima delle proiezioni con grandi ospiti, le proiezioni del Cinema in Piazza, gli Eventi Speciali - Viaggio all'interno della Settima Arte, passando per Arte a Doc con i documentari sull'arte, le Masterclass – I mestieri del cinema, il Cineforum in Auditorium Loria e il ciclo The Adaptation – Salotto Cine-Letterario, dedicato al rapporto tra il cinema e le arti.

I documentari proiettati per Arte a Doc saranno introdotti dagli autori e da grandi ospiti: Luisa Grosso e Paolo Marzoni introdurranno Love for Steve. A Film About Steve Grossman, poi il regista Enrico Baraldi introdurrà Dear Audience; il regista Matteo Parisini e Lorenzo Respi, Direttore Mostre e Collezioni Fondazione AGO Modena, saranno presenti per introdurre Oltre il confine. Le immagini di Mimmo e Francesco Jodice; il giornalista Stefano Ferrari sarà presente per Bonvi - Una vita inventata, poi saranno presenti Ferdinando Vicentini Orgnani per The Beat Bomb e Antonella di Nocera per Elvira Notari - Oltre il silenzio.

Tornano inoltre il Premio Arti del Cinema, attribuito a un professionista del settore ospite della manifestazione, che sarà consegnato il 10 settembre a Matteo Garrone, e le proiezioni in anteprima In Grande Visione con la collaborazione del Cinema Corso e del Cinema Eden di Carpi. Nelle mattine del 9, 10 e 11 settembre, alle 10.30 al Dorando Caffè, torna anche The Adaptation - Salotto Cine-Letterario, in collaborazione con il Centro di Didattica del Cinema Rosencrantz & Guildenstern di Bologna: tre incontri sul rapporto tra cinema e teatro, tra sceneggiatura, recitazione e palcoscenico.

Carpi Film Fest 2026: Cinema Sferico, la novità dedicata ai bambini

Tra le novità di quest'anno ci sarà Cinema Sferico, presso Auditorium San Rocco, con proiezioni per bambini dai 5 ai 10 anni, per tutta la famiglia, su due turni, nella fascia oraria 18:00-21:00. Cinema Sferico è un'esperienza cinematografica immersiva a 360° che permette ai bambini di vivere la proiezione di un film educativo in modo completamente coinvolgente, all'interno di una speciale cupola itinerante.

Carpi Film Fest 2026, 11 settembre: la masterclass con Tiziana Ferrario e la proiezione di World Trade Center

L'11 settembre, inoltre, la programmazione sarà dedicata all'anniversario dell'11 settembre 2001, con la masterclass con Tiziana Ferrario e Guido Borelli moderata da Pierluigi Senatore, preceduta dalla proiezione del documentario The Beat Bomb sul poeta Lawrence Ferlinghetti. A chiudere questa programmazione speciale sarà, in serata, presso l'Arena di Piazzale Re Astolfo, la proiezione del film World Trade Center di Oliver Stone.

Carpi Film Fest 2026, 4 settembre: L'adolescenza non è una malattia con Osvaldo Poli

In apertura e in chiusura di manifestazione, due Eventi Speciali - Viaggio all'interno della Settima Arte, appuntamenti di grande richiamo, pensati per un pubblico ampio e trasversale, il cui ingresso sarà a pagamento.

Il primo sarà venerdì 4 settembre, ad anticipare il Carpi Film Fest, alle ore 20.30 presso l'Arena di Piazzale Re Astolfo, con lo spettacolo-incontro con lo psicologo Osvaldo Poli, dal titolo "L'adolescenza non è una malattia", dedicato al tema dell'adolescenza e alle sfide della genitorialità contemporanea.

Carpi Film Fest 2026, 12 settembre: Concerto Overture con Maurizio Solieri chiude il festival

Il secondo evento speciale avrà protagonista il celebre chitarrista Maurizio Solieri, sabato 12 settembre alle ore 21.00 in Arena di Piazzale Re Astolfo, che chiuderà in bellezza la manifestazione con il Concerto Overture - Un viaggio nelle più grandi colonne sonore del cinema. Un evento speciale di cui sarà protagonista Maurizio Solieri, musicista originario di Concordia sulla Secchia (MO), storico chitarrista di Vasco per oltre 30 anni.

I biglietti per questi due eventi sono disponibili online e presso i punti vendita Vivaticket e la sera dello spettacolo dalle ore 19.00 all'ingresso dell'Arena di Piazzale Re Astolfo.

Carpi Film Fest 2026, 4 settembre: Nevia apre il programma cinematografico

La proiezione inaugurale della kermesse sarà in Piazzale Re Astolfo venerdì 4 settembre alle 22.00 con il film Nevia, in collaborazione con il Liceo Fanti. Il film segue la storia di una ragazza di 17 anni cresciuta in un campo container a Ponticelli, nella periferia di Napoli, la lotta per sfuggire a un destino di emarginazione e per proteggere i suoi diritti, e che vedrà cambiare la sua vita con l'arrivo di un circo ad offrirle una prospettiva di riscatto e di fuga.

Carpi Film Fest 2026, 8-10 settembre: Il Gladiatore con Luca Ward, La Cena con Antonio Catania, Reality con Matteo Garrone

Il programma cinematografico propone una selezione di opere che spaziano tra grandi classici, cinema d'autore e film di grande valore culturale. Molte delle proiezioni - presso l'Arena di Piazzale Re Astolfo alle 21.00 - vedranno ospiti di eccezione, che porteranno anche il racconto della loro esperienza nelle masterclass pomeridiane.

A introdurre la proiezione de Il gladiatore (8 settembre), il film diretto da Ridley Scott, sarà Luca Ward, la voce italiana del protagonista. Il celebre doppiatore, che con la sua voce inconfondibile ha dato vita a personaggi iconici del cinema internazionale, prestando la voce, tra gli altri, a Russell Crowe, Keanu Reeves e Hugh Grant, sarà inoltre protagonista della masterclass "I mestieri del cinema con Luca Ward - La voce del cinema", alle 18.30 in Auditorium Loria, dedicata al mestiere del doppiatore.

Il film La cena (9 settembre) sarà invece introdotto dall'attore caratterista Antonio Catania, che nel pomeriggio alle ore 18.30 presso l'Auditorium A. Loria sarà al centro della masterclass "I mestieri del cinema con Antonio Catania - Il mestiere dell'attore: dal teatro al grande schermo", dove racconterà episodi della sua carriera.

Reality (10 settembre) sarà invece introdotto dal regista del film Matteo Garrone, al quale verrà inoltre consegnato il Premio Arti del Cinema: il regista sarà anche protagonista della masterclass "I mestieri del cinema con Matteo Garrone - tra realtà e visione: il cinema di oggi", dove saranno approfonditi aspetti del suo cinema e del suo sguardo potente e realistico.

Carpi Film Fest presenta ancora una volta un cartellone che mette in dialogo generi, epoche e sensibilità differenti, offrendo al pubblico occasioni di riflessione, approfondimento e intrattenimento, confermando la propria vocazione a essere molto più di un festival cinematografico, ma un luogo dove il cinema racconta il presente attraverso il confronto con le altre arti, creando occasioni di incontro tra autori, artisti, professionisti e pubblico.

Ci sono film che diventano cult per scelta, altri per caso. Ghost appartiene a entrambe le categorie. Uscito nelle sale statunitensi il 13 luglio 1990 e arrivato in Italia il 16 novembre dello stesso anno con il titolo Ghost – Fantasma, il film diretto da Jerry Zucker ha trasformato la lavorazione dell'argilla in un atto romantico universale, consacrato Patrick Swayze come icona degli anni Novanta e regalato a Whoopi Goldberg un Oscar meritatissimo. Ma dietro quella patina di perfezione romantica si nasconde una storia fatta di rifiuti eccellenti, incidenti felici e coincidenze che hanno cambiato il destino di Hollywood.

La trama è ormai patrimonio collettivo: a New York, l'impiegato di banca Sam Wheat scopre traffici illeciti legati a quattro milioni di dollari di soldi sporchi. Prima di poter agire viene ucciso davanti agli occhi della fidanzata Molly Jensen, interpretata da Demi Moore, in quello che sembra un incidente ma è in realtà un omicidio pianificato. Sam rimane sulla Terra come fantasma, incapace di farsi vedere o ascoltare dai vivi, tranne che da Oda Mae Brown, una sensitiva interpretata da Whoopi Goldberg.

Attraverso di lei cercherà di proteggere Molly e smascherare il suo assassino. La pellicola mescola registri apparentemente inconciliabili: romanticismo puro, thriller finanziario, commedia brillante grazie alle gag di Oda Mae e una dimensione soprannaturale che avrebbe potuto trasformare tutto in una farsa. Invece funzionò. Eccome. Costato 22 milioni di dollari, Ghost ne incassò 505 a livello mondiale, rimanendo tra i primi cinque film al box office per 19 settimane consecutive.

A febbraio 1991 venne superato solo da Mamma ho perso l'aereo, l'altro fenomeno cinematografico del 1990. Il film divenne anche il titolo più noleggiato del 1991 negli Stati Uniti, segno che il pubblico voleva rivederlo, condividerlo, possederlo. Ma c'è un dettaglio che pochi conoscono: Jerry Zucker non voleva Patrick Swayze. Il regista, proveniente dal mondo della commedia demenziale con capolavori parodistici come L'aereo più pazzo del mondo e Top Secret, andò a vedere Il duro del Road House per valutare l'attore.

Uscì dalla sala con un verdetto lapidario: neanche morto. Lo raccontò lo sceneggiatore Bruce Joel Rubin nei contenuti extra del DVD. Eppure Swayze ottenne comunque un'audizione e riuscì a ribaltare il giudizio, dimostrando di poter affrontare un ruolo drammatico con la stessa intensità con cui aveva ballato in Dirty Dancing. E non fu l'unico a dire di no, o quasi. Bruce Willis, all'epoca sposato proprio con Demi Moore, rifiutò il ruolo di Sam dopo aver letto la sceneggiatura. La trovò incomprensibile: il tizio è morto, come può funzionare un film così? In seguito si definì un idiota per quella decisione, ammettendo di essersi pentito amaramente.

Chissà come sarebbe stata Ghost con Willis al posto di Swayze: probabilmente più cinica, meno malinconica, sicuramente diversa. La vera vincitrice della pellicola fu comunque Whoopi Goldberg, che conquistò l'Oscar come migliore attrice non protagonista per il ruolo di Oda Mae. Ma anche in questo caso ci fu resistenza: i produttori non volevano affidarle la parte. Fu Patrick Swayze a insistere, arrivando a dire che non avrebbe girato il film senza di lei. L'attrice ha sempre ringraziato pubblicamente Swayze per averle regalato quell'Oscar, definendolo un tipo che prende posizione.

Un gesto di stima professionale che cambiò una carriera. Il successo di Ghost trasformò anche Demi Moore in una star globale e nell'attrice più pagata di Hollywood. Per tutti gli anni Novanta fu protagonista di blockbuster come Codice d'onore con Tom Cruise e Jack Nicholson, Proposta indecente, Rivelazioni e Soldato Jane. Per Striptease ottenne un compenso da record: 12,5 milioni di dollari, una cifra che all'epoca nessuna attrice aveva mai raggiunto. Ghost le aveva spalancato le porte del potere contrattuale.

Ma torniamo alla scena che ha definito l'immaginario romantico di una generazione: il tornio, l'argilla, le mani che si intrecciano, Unchained Melody in sottofondo. Quella sequenza non era perfetta. Anzi, era imbarazzante. Zucker si rese conto durante le prove che tra Moore e Swayze non c'era particolare affiatamento fuori dal set. La tensione era palpabile, nonostante fossero entrambi completamente vestiti. La sensualità nasceva dalla coreografia, dalla vicinanza fisica studiata, dal modo in cui i corpi interagivano nello spazio. Ma non da una chimica spontanea. Demi Moore prese lezioni di ceramica per rendere credibile il personaggio di Molly.

Imparò le basi della lavorazione dell'argilla, studiò i movimenti del tornio, si sporcò le mani davvero. Sul set erano presenti ceramisti professionisti che preparavano alcuni manufatti e aiutavano la troupe a gestire gli aspetti tecnici. Swayze, invece, si esercitò con la moglie Lisa Niemi, che aveva esperienza con la ceramica. L'obiettivo era evitare che il pubblico percepisse immediatamente l'artificiosità della scena. E poi accadde l'imprevisto che trasformò tutto. Il vaso crollò. Non era previsto dalla sceneggiatura: a un certo punto l'oggetto perse la propria forma e cominciò letteralmente a collassare sotto le mani dei due protagonisti.

In una produzione tradizionale si sarebbe interrotta la ripresa e ricominciato da capo. Invece la macchina da presa continuò a registrare. Moore e Swayze reagirono a ciò che stava accadendo con spontaneità: il loro stupore, i sorrisi, il modo in cui continuarono a manipolare l'argilla diedero alla sequenza una naturalezza impossibile da ottenere attraverso una coreografia perfetta. È uno di quei casi rari in cui un errore tecnico diventa una benedizione artistica. Se il vaso fosse rimasto perfettamente in piedi, la scena sarebbe stata comunque efficace. Ma quel cedimento la rese umana, quasi buffa, imprevedibile.

Patrick Swayze ricordò in seguito quell'incidente con una certa ironia, confessando nella sua biografia: "Non avevamo idea che sarebbe diventata la scena romantica più famosa della storia del cinema. Eravamo solo due attori che cercavano di fare il loro lavoro nel modo migliore possibile". La sequenza è diventata così iconica da generare infinite parodie: da Community a Due uomini e mezzo, passando per Una pallottola spuntata 2½ – L'odore della paura, diretto da David Zucker, fratello del regista di Ghost. Ogni volta che qualcuno vuole rappresentare il romanticismo cinematografico anni Novanta, torna a quella scena.

Anche la colonna sonora del film conobbe una seconda vita grazie a Ghost. La cover di Unchained Melody dei Righteous Brothers, uscita nel 1965, era già stata un successo. Ma l'uso nel film la riportò in vetta alle classifiche. Il gruppo incise una nuova versione nel 1990 che superò persino quella originale, arrivando prima nella Billboard statunitense. La canzone, composta nel 1955 da Alex North con testi di Hy Zaret, è stata reinterpretata in oltre 500 versioni diverse e in decine di lingue: un record per il ventesimo secolo.

L'appartamento di Molly e Sam esiste davvero e si trova a Soho, su Prince Street, tra Greene e Mercer Street, a New York. Nel 2015 è stato messo in vendita per dieci milioni di dollari, una cifra che testimonia quanto quel luogo sia diventato parte dell'immaginario collettivo legato al film. Il successo di Ghost si estese ben oltre i confini americani. Solo in Giappone incassò 50 milioni di dollari, una cifra talmente elevata da convincere i produttori locali a realizzare un remake nel 2010: Ghost: Mouichido Dakishimetai, tradotto come Ghost: voglio abbracciarti ancora, diretto da Taro Otani.

Stavolta con una donna nel ruolo del fantasma, un ribaltamento di genere che aggiornava la formula per un pubblico diverso. C'è poi un'eredità inaspettata del film nel mondo della musica hip-hop. Grazie al ruolo di Sam e al fatto che il cognome Swayze fa rima con crazy, Patrick Swayze è stato citato in diverse canzoni rap. Marley Marl in The Symphony Part II canta: reach for the pistol and you're crazy, try to blast and I'll be spinnin' that ass like Patrick Swayze. E 2Pac in Runnin' (Dying to Live) rappa: that's why I bust back, it don't faze me, when he drop, take his glock, and I'm Swayze. Un'influenza culturale che nessuno avrebbe potuto prevedere.

Dietro la sceneggiatura c'è Bruce Joel Rubin, insegnante di meditazione e appassionato di temi legati al confine tra vita e morte. Alla vigilia del trasferimento a Los Angeles il suo agente gli disse: "Nessuno è interessato a fare film sui fantasmi". Ma Rubin e sua moglie avevano già venduto la casa in Illinois e decisero di trasferirsi ugualmente. Arrivammo senza soldi, ma nel giro di una settimana avevo una casa e un agente, raccontò in seguito. Rubin vinse l'Oscar per la migliore sceneggiatura originale e firmò anche il musical tratto dal film, messo in scena a Londra nella stagione teatrale 2011-2012, con musiche di Dave Stewart e Glen Ballard.

L'anno dopo ne uscì una versione italiana. Una delle battute più celebri del film è il famoso idem che Sam risponde a Molly quando lei gli dice ti amo. Incapace di pronunciare quelle due parole, Sam opta per una risposta che diventa marchio del personaggio. L'idea venne a Rubin perché ai tempi del college rispondeva esattamente così alla fidanzata dell'epoca. Il motivo era insolito: Rubin era gay e incapace di esprimere in modo sincero i suoi sentimenti verso una donna.

Alla moglie, invece, aveva detto molto presto della sua omosessualità, costruendo un rapporto basato sulla trasparenza. Ghost ottenne cinque candidature agli Oscar e ne vinse due: sceneggiatura originale e migliore attrice non protagonista. Ma al di là dei premi ufficiali, il film ha conquistato un posto permanente nella memoria collettiva. È diventato sinonimo di romanticismo impossibile, di amore che supera la morte, di connessioni che resistono anche quando il corpo scompare.

Di notte, nella cittadina di Featherbank, quando il silenzio avvolge le case e i bambini dormono nei loro letti, c'è qualcuno che sussurra alle finestre. Una voce nell'ombra, un richiamo misterioso che attira i piccoli verso un destino sconosciuto. È questa l'immagine inquietante al centro de L'uomo dei sussurri, il thriller psicologico che dal 28 agosto 2026 è disponibile su Netflix.

Diretto da James Ashcroft e tratto dall'omonimo bestseller del 2019 di Alex North, il film riunisce un cast di assoluto prestigio: Robert De Niro, Adam Scott, Michelle Monaghan, Michael Keaton, Hamish Linklater, Owen Teague, Acston Luca Porto e Will Brill. Ma al di là dei nomi, ciò che rende questa produzione particolarmente riuscita è la capacità di intrecciare due anime narrative apparentemente distanti: da una parte il meccanismo serrato del crime thriller, dall'altra una storia familiare fatta di ferite, distanze e tentativi di riconciliazione.

Tom Kennedy è uno scrittore di gialli interpretato da Adam Scott, volto noto al pubblico per la serie Scissione. Rimasto vedovo, Tom cerca di crescere da solo il figlio Jake, otto anni, mentre entrambi provano a ricostruire un equilibrio dopo la perdita della madre. Per ricominciare, i due si trasferiscono nella cittadina in cui Tom è cresciuto, proprio a Featherbank. Ma proprio mentre padre e figlio cercano di trovare una nuova normalità, la comunità locale viene scossa dalla riapertura di una ferita mai del tutto rimarginata.

Anni prima, Featherbank era stata teatro delle azioni di un serial killer noto come l'Uomo dei sussurri, il cui vero nome è Frank Carter. L'assassino aveva rapito e ucciso diversi bambini seguendo un rituale preciso e inquietante, prima di essere catturato e rinchiuso in prigione. La sua firma era quella filastrocca sussurrata alle finestre, un richiamo che i piccoli non riuscivano a ignorare. Ma ora, all'improvviso, altri bambini cominciano a scomparire con le stesse modalità. Tra le vittime c'è anche Jake.

James Ashcroft, il regista, ha indicato proprio la relazione fra padri e figli come uno degli elementi che più lo hanno attratto nel romanzo e nella sceneggiatura, definendola il cuore emotivo della vicenda. E in effetti L'uomo dei sussurri funziona proprio quando abbandona le convenzioni del thriller seriale per concentrarsi su questa doppia, problematica dinamica familiare: Tom e Jake nella prima parte, Tom e Pete nella seconda.

Robert De Niro, che ha costruito la propria leggenda interpretando personaggi oscuri e violenti, qui torna a confrontarsi con il lato più oscuro del crimine ma da una prospettiva diversa: non più il criminale o il complice, ma l'investigatore che ha dedicato la vita a combattere il male e ora deve scoprire se quella battaglia è stata davvero vinta. La sua presenza conferisce peso e credibilità a un personaggio che rischia di scivolare nello stereotipo del detective tormentato.

L'uomo dei sussurri è dunque un thriller che scava nei rapporti familiari tanto quanto nei crimini del passato, che chiede allo spettatore di empatizzare con le ferite dei protagonisti prima ancora di tifare per la soluzione del caso. Non è cinema d'azione pura, ma un racconto più meditato e stratificato, dove il vero mistero non è solo chi sta rapendo i bambini, ma come si possa ricucire uno strappo familiare che dura da anni.

Mel Brooks ha recentemente rivelato all'American Cinematheque quelli che sono i venti film che hanno attraversato la sua vita e formato il suo sguardo. Insomma, ciò che lo ha ispirato, colpito e che gli sono rimasti addosso, anche dopo 100 anni, considerando che qualche settimana fa cadeva il suo centesimo compleanno.

Il risultato è Programmed by Mel Brooks: 100 Years at the Movies, una rassegna che rappresenta una piccola autobiografia per immagini, un viaggio che parte dal 1931 e arriva fino al 2019, attraversando quasi novant'anni di storia del cinema. Brooks non aveva mai realizzato pubblicamente una selezione di questo tipo, e l'esercizio gli ha fatto riscoprire, come ha raccontato al Los Angeles Times, le ragioni del suo primo innamoramento per la settima arte.

La scelta più antica risale a quando Brooks aveva appena quattro anni: Luci della città di Charlie Chaplin, capolavoro uscito nel 1931 che già conteneva tutti gli ingredienti della comicità fisica e sentimentale che avrebbe poi influenzato generazioni di cineasti. All'altro estremo temporale troviamo due film del 2019, quando Brooks aveva 93 anni: Jojo Rabbit di Taika Waititi e Dolemite Is My Name di Craig Brewer. Segno che il regista non ha mai smesso di guardare avanti, di cercare nel cinema contemporaneo quello spirito di innovazione e ribellione che lo ha sempre animato.

La lista è un manifesto di eclettismo. Ci sono i padri della comicità che Brooks ha ereditato e trasformato: oltre a Chaplin, ecco Una notte all'opera dei fratelli Marx, costruito su quell'anarchia verbale e visiva che Brooks avrebbe poi smontato e riassemblato nelle sue parodie. Ma accanto ai nomi prevedibili emergono scelte sorprendenti: il western Il cavaliere della valle solitaria di George Stevens convive con Balla coi lupi di Kevin Costner, suggerendo una fascinazione per il genere che va oltre la sua celebre decostruzione in Mezzogiorno e mezzo di fuoco.

C'è il noir pulp di Billy Wilder con La fiamma del peccato, ci sono il dramma storico di Schindler's List, l'horror psicologico di Psycho di Alfred Hitchcock, e persino The Elephant Man di David Lynch, con la sua bellezza mostruosa e la sua umanità dolente. Ed Wood di Tim Burton, ritratto del peggior regista di tutti i tempi, rivela forse un'empatia segreta di Brooks per chi osa fare cinema contro ogni ostacolo e ogni competenza.

Ma la vera sorpresa, almeno per noi italiani, è la presenza de I Vitelloni di Federico Fellini. Il film del 1953, Leone d'argento alla Mostra del Cinema di Venezia, è l'unico titolo non in lingua inglese dell'intera selezione. Un'anomalia significativa che racconta molto sul rapporto di Brooks con il cinema europeo e, nello specifico, con Fellini.

Il regista Barry Levinson ha raccontato un aneddoto illuminante: negli anni Settanta, quando collaborava con Brooks, gli parlava spesso della propria giovinezza a Baltimora, delle notti trascorse con gli amici nei diner, tra discussioni su donne, sogni e futuro. Brooks gli disse che quelle storie gli ricordavano proprio I Vitelloni e gli consigliò caldamente di vedere il film.

Da quei ricordi e da quel suggerimento sarebbe nato nel 1982 Diner, l'esordio alla regia di Levinson. Curiosamente, Levinson non riuscì a vedere il film di Fellini prima di scrivere la propria sceneggiatura e in seguito ammise di esserne quasi contento: probabilmente il confronto lo avrebbe intimidito. Eppure l'influenza indiretta c'era stata, filtrata attraverso le parole e la sensibilità di Brooks.

Che cosa avrà visto Brooks ne I Vitelloni? Forse il senso di comunità degli amici, quella tribù maschile che si sostiene e si sabota a vicenda. Forse la malinconia di un tempo sospeso, l'impossibilità di tornare indietro e la paura di andare avanti. O forse semplicemente la capacità di Fellini di trovare poesia e umanità nei piccoli fallimenti quotidiani, negli antieroi che non cambieranno mai il mondo ma cercano disperatamente di dare un senso alle proprie vite.

Ciò che emerge dalla lista è l'immagine di un cinefilo curioso, senza preconcetti di genere o epoca. Brooks mette sullo stesso piano Chaplin e Taika Waititi, John Ford e Kevin Costner, Alfred Hitchcock e David Lynch. Non c'è gerarchie estetiche rigide, solo amore per il cinema in tutte le sue forme. E se a cent'anni continua a guardare film del 2019 con lo stesso entusiasmo con cui guardava quelli degli anni Trenta, forse è questo il vero segreto della sua longevità artistica e umana.

Dopo due mesi di viaggio, al Parco di Torre del Fiscale, l'ultima settimana della seconda edizione. Dal 7 al 13 settembre, il paesaggio degli acquedotti diventa palcoscenico di sette giorni tra danza site-specific, teatro, musica, letteratura e passeggiate performative.

Con Giulia Anania e Lavinia Mancusi, Tiziano Panici, Ariele Vincenti, gli omaggi a Hans Zimmer e Italo Calvino, le "Street Stories" e i "Dialoghi Sinfonici" diretti dal maestro Germano Neri. Dalle 18.00, Parco di Torre del Fiscale.

 Roma Borgata Festival 2026: il progetto ASAPQ diretto da Alessandra Muschella

Dopo aver attraversato per due mesi quartieri, cortili Ater, mercati, bar, parchi e strade, il Roma Borgata Festival approda al Parco di Torre del Fiscale per l'ultima settimana della sua seconda edizione. Dal 7 al 13 settembre, il paesaggio degli acquedotti diventa il punto di incontro di un viaggio che ha trasformato i margini della città in una costellazione di palcoscenici: sette giorni tra danza site-specific, teatro, musica, letteratura e passeggiate performative, nei quali tornano e giungono a compimento alcuni dei progetti che hanno segnato l'intero Festival.

Una settimana che riassume la vocazione del Roma Borgata Festival, progetto di ASAPQ con la direzione artistica di Alessandra Muschella: abitare culturalmente la città, portando lo spettacolo fuori dai luoghi convenzionali e costruendo una nuova relazione tra arti performative, paesaggio urbano e comunità.

Roma Borgata Festival 2026, 7-11 settembre: la residenza di danza Pillole Urbane

Ad aprire idealmente questa ultima tappa, da lunedì 7 a venerdì 11 settembre, sarà la residenza di danza site-specific "Pillole Urbane", a cura di ACSD KODANCE/&KO. Gli artisti lavoreranno direttamente nel parco alla costruzione della coreografia che verrà restituita in partenza sabato 12 settembre. Un processo creativo che sperimenta il connubio tra arte del movimento, attivando il luogo come una scena viva e facendo della permanenza nel territorio una parte essenziale dell'opera.

Roma Borgata Festival 2026, 9 settembre: Scuolabus, il viaggio che diventa racconto nel Quadraro

Mercoledì 9 settembre alle ore 19.00 torna "Scuolabus – quando il viaggio diventa racconto", uno dei progetti simbolo della seconda edizione del Festival. A bordo di uno scuolabus anni Ottanta, Giulia Anania e Lavinia Mancusi accompagneranno il pubblico in un percorso intimo e collettivo attraverso il Quadraro, alla scoperta di luoghi nascosti, storie umane, memorie e dettagli che spesso sfuggono allo sguardo quotidiano.

Roma Borgata Festival 2026, 10 settembre: Bar Campioni, lo spettacolo di Ariele Vincenti su Vito Taccone

Giovedì 10 settembre alle ore 19.00 il Festival prosegue con "Bar Campioni – Il ciclista incatenato", spettacolo teatrale scritto e interpretato da Ariele Vincenti, con le musiche di Tiziano Gialloreto. Al centro del racconto la figura di Vito Taccone, il "Camoscio d'Abruzzo": ciclista ribelle, generoso e irascibile, entrato nel mito dello sport del Novecento grazie alle sue straordinarie doti di scalatore. Ambientato idealmente in un bar dello sport dell'entroterra abruzzese, lo spettacolo ne ripercorre l'epopea agonistica e umana, restituendo il ritratto di un campione popolare e anticonformista.

Roma Borgata Festival 2026, 11 settembre: Fiammiferi da Calvino e Dominio Pubblico

Venerdì 11 settembre alle ore 19.00 arriva "Fiammiferi", progetto performativo di ABRA con Stella Mastrantonio e Brando Pacitto e la sonorizzazione di Ludovico Franco, una rilettura del racconto di Italo Calvino "L'avventura di due sposi" che prende forma attraverso un'esperienza di lettura collettiva immersiva e site-specific.

La serata proseguirà dalle ore 20.00 con "Dominio Pubblico per Roma Borgata Festival": tre concerti affidati alla programmazione della DAP Under 25 – Direzione Artistica Partecipata, per lasciare spazio allo sguardo, ai linguaggi e alle proposte di una nuova generazione di artisti.

Roma Borgata Festival 2026, 12 settembre: To the Ground e l'omaggio a Hans Zimmer

Sabato 12 settembre, dalle ore 19.00, il lavoro sviluppato durante la residenza "Pillole Urbane" troverà la sua restituzione pubblica con "To the Ground", performance site-specific a cura di ACSD KODANCE/&KO, con concept, regia e coreografia di Sil Marti e l'assistenza coreografica di Giulia Federico. A seguire, il dialogo tra musica e cinema sarà protagonista con "Omaggio a Hans Zimmer", diretto da Giordano Maselli.

Roma Borgata Festival 2026, 13 settembre: Street Stories e i Dialoghi Sinfonici chiudono la seconda edizione

L'ultima giornata, domenica 13 settembre, inizierà alle ore 18.00 con "Street Stories", passeggiata performativa nel Parco di Torre del Fiscale a cura di Giulia Anania e Tiziano Panici. Tra musica e poesia, il percorso darà voce alle strade, alle memorie e alle realtà che animano il territorio, trasformando la passeggiata in una forma di narrazione collettiva.

A chiudere la seconda edizione, alle ore 20.00, sarà "Dialoghi Sinfonici – Operette" con l'Orchestra EICO, diretta dal maestro Germano Neri.

A due anni dalla sua scomparsa, i documenti legali relativi alla successione di Maggie Smith rivelano dettagli sorprendenti sul patrimonio lasciato dall'indimenticabile attrice britannica. La professoressa McGranitt di Harry Potter e l'acida Violet Crawley di Downton Abbey ha lasciato una fortuna di 16 milioni di sterline, equivalenti a circa 18,6 milioni di euro, ai suoi due figli Chris Larkin e Toby Stephens.

I documenti di successione pubblicati di recente mostrano che il patrimonio netto ammontava precisamente a 15.977.325 sterline, dopo aver detratto debiti e spese da un totale iniziale di 16.003.613 sterline. La maggior parte di questa considerevole eredità è stata divisa equamente tra i suoi due figli, entrambi attori come la madre e il padre Robert Stephens, scomparso nel 1995.

Dame Margareth Natalie Smith si è spenta il 27 settembre 2024 all'età di 89 anni presso il Chelsea and Westminster Hospital di Londra, dopo una lunga malattia. La sua morte aveva suscitato commozione in tutto il mondo, con tributi da parte di colleghi, fan e persino di re Carlo III, che l'aveva definita un "tesoro nazionale".

Il gioiello più prezioso dell'eredità è senza dubbio la Douglas Lake Farm, una tenuta appartata con cinque camere da letto situata nel West Sussex, vicino a Fittleworth, sulle South Downs. Non si tratta di una semplice casa di campagna: la proprietà comprende fienili, una scuderia e persino un vigneto. Qui Maggie Smith ha vissuto per oltre 40 anni, crescendo i suoi figli lontano dai riflettori e coltivando quella riservatezza che l'ha sempre contraddistinta.

La gestione di questo bene immobiliare rivela l'accortezza dell'attrice nella pianificazione patrimoniale. Anziché lasciare la proprietà direttamente ai figli, Smith l'aveva inserita in un trust familiare istituito insieme a Chris e Toby nel 2019, cinque anni prima della sua morte. Una scelta che denota lungimiranza e attenzione nella tutela del patrimonio familiare.

Ma l'eredità non si limita al denaro e agli immobili. Il testamento contiene anche disposizioni relative a royalties, diritti d'autore e opere inedite che l'attrice aveva ereditato dal suo secondo marito, il drammaturgo Beverley Cross. Un patrimonio culturale oltre che economico, che testimonia una vita dedicata all'arte in tutte le sue forme.

Questa fortuna considerevole è il frutto di una carriera straordinaria durata quasi sette decenni tra teatro, cinema e televisione. Maggie Smith ha vinto il suo primo Oscar nel 1969 per La strana voglia di Jean, seguito da un secondo nel 1978 per California Suite. In totale ha collezionato sei nomination agli Academy Awards, oltre a sette BAFTA, quattro Emmy, tre Golden Globe e un Tony Award. Nel 1990 è stata insignita del titolo di Dama dalla Regina Elisabetta II, coronamento di una carriera che l'ha resa una delle attrici più rispettate della Gran Bretagna.

Per le generazioni più giovani, però, Maggie Smith è soprattutto la professoressa Minerva McGranitt, apparsa in sei film della saga di Harry Potter, e la contessa vedova Violet Crawley di Downton Abbey, personaggio che le ha regalato un'ultima ondata di popolarità globale. Negli ultimi anni della sua vita, l'attrice aveva persino accettato di diventare ambasciatrice del brand di moda Loewe, sotto la direzione creativa di Jonathan Anderson, dimostrando ancora una volta la sua capacità di reinventarsi e sorprendere.

Nonostante il successo planetario e la ricchezza accumulata, Maggie Smith è sempre riuscita a mantenere gran parte della sua vita personale lontana dai riflettori. La sua eredità ora si divide tra il patrimonio economico destinato ai figli e quello artistico destinato alle generazioni future: decine di interpretazioni indimenticabili che hanno segnato la storia del cinema, della televisione e del teatro britannico.

Le Arene AGIS-ANEC Lazio di Piazza Vittorio, Villa Lazzaroni e Villa Bonelli propongono a Roma una settimana di cinema all'aperto, tra grandi anteprime, incontri con i registi e proiezioni di film drammatici, commedie e blockbuster.

Notti di Cinema a Piazza Vittorio: il programma dal 31 agosto al 6 settembre

Lunedì 31 agosto, ore 21:00 – Tre ciotole (Drammatico, 120'), di Isabel Coixet, con Alba Rohrwacher, Elio Germano, Silvia D'Amico, Galatéa Bellugi.

Martedì 1 settembre, ore 19:00 – La porta magica, a cura di Esquilino Poesia: Gian Piero Ventura dialoga con Dario Pipi, autore del libro "Esquilino di Sangue" (bookabook). Ore 21:00 – La torta del presidente (Drammatico, 102'), di Hasan Hadi, con Baneen Ahmad Nayyef, Waheed Thabet Khreibat, Sajad Mohamad Qasem.

Mercoledì 2 settembre, ore 21:00 – La villa portoghese (Drammatico, 114'), di Avelina Prat, con Manolo Solo, Maria de Medeiros, Branka Katic, Rita Cabaço.

Giovedì 3 settembre, ore 19:00 – La porta magica, a cura di Esquilino Poesia: presentazione della casa editrice Fusibilia Libri di Dona Amati, con le plaquette di Ugo Magnanti e altri autori. Ore 21:00 – incontro con Rocco Papaleo e proiezione del film Il bene comune (Commedia, 103'), di Rocco Papaleo, con Claudia Pandolfi, Rocco Papaleo, Teresa Saponangelo, Vanessa Scalera.

Venerdì 4 settembre, ore 21:00 – Sentimental Value (Drammatico, 132'), di Joachim Trier, con Renate Reinsve, Stellan Skarsgård, Inga Ibsdotter Lilleaas, Elle Fanning.

Sabato 5 settembre, ore 21:00 – Gioia mia (Drammatico, 90'), di Margherita Spampinato, con Marco Fiore, Aurora Quattrocchi, Martina Ziami, Camille Dugay Comencini.

Domenica 6 settembre, ore 21:00 – Amarga Navidad (Drammatico, 111'), di Pedro Almodóvar, con Bárbara Lennie, Leonardo Sbaraglia, Aitana Sánchez-Gijón, Vicky Luengo.

Cinevillage Villa Lazzaroni: il programma dal 31 agosto al 6 settembre

Lunedì 31 agosto, ore 21:00 – No Other Choice – Non c'è altra scelta (Commedia, 139'), di Park Chan-wook, con Byung-Hun Lee, Ye-Jin Son, Hee-soon Park, Sung-min Lee, Yeom Hye-ran.

Martedì 1 settembre, ore 21:00 – Un semplice incidente (Drammatico, 101'), di Jafar Panahi, con Vahid Mobasseri, Mariam Afshari, Ebrahim Azizi, Hadis Pakbaten.

Mercoledì 2 settembre, ore 21:00 – Primavera (Drammatico, 110'), di Damiano Michieletto, con Tecla Insolia, Michele Riondino, Andrea Pennacchi, Fabrizia Sacchi.

Giovedì 3 settembre, ore 21:00 – Michael (Biografico, 127'), di Antoine Fuqua, con Jaafar Jackson, Nia Long, Laura Harrier, Juliano Valdi.

Venerdì 4 settembre, ore 21:00 – Le città di pianura (Commedia, 100'), di Francesco Sossai, con Filippo Scotti, Sergio Romano, Pierpaolo Capovilla, Roberto Citran.

Sabato 5 settembre, ore 21:00 – Spider-Man: Brand New Day (Azione, 145'), di Destin Daniel Cretton, con Tom Holland, Zendaya, Sadie Sink, Jacob Batalon, Jon Bernthal.

Domenica 6 settembre, ore 21:00 – incontro con Riccardo Milani e proiezione del film La vita va così (Commedia, 118'), di Riccardo Milani, con Virginia Raffaele, Diego Abatantuono, Aldo Baglio, Giuseppe Ignazio Loi.

Notti di Cinema a Villa Bonelli: il programma dal 31 agosto al 6 settembre

Lunedì 31 agosto, ore 21:00 – Le città di pianura (Commedia, 100'), di Francesco Sossai, con Filippo Scotti, Sergio Romano, Pierpaolo Capovilla, Roberto Citran.

Martedì 1 settembre, ore 21:15 – incontro con Christian Marazziti e proiezione del film Prendiamoci una pausa (Commedia, 100'), di Christian Marazziti, con Marco Giallini, Claudia Gerini, Paolo Calabresi, Fabio Volo, Ilenia Pastorelli.

Mercoledì 2 settembre, ore 21:00 – Cinque secondi (Commedia, 105'), di Paolo Virzì, con Valerio Mastandrea, Galatéa Bellugi, Valeria Bruni Tedeschi, Ilaria Spada.

Giovedì 3 settembre, ore 21:00 – Gioia mia (Drammatico, 90'), di Margherita Spampinato, con Marco Fiore, Aurora Quattrocchi, Martina Ziami, Camille Dugay Comencini.

Venerdì 4 settembre, ore 21:00 – Il bene comune (Commedia, 103'), di Rocco Papaleo, con Claudia Pandolfi, Rocco Papaleo, Teresa Saponangelo, Vanessa Scalera.

Sabato 5 settembre, ore 21:00 – Michael (Biografico, 127'), di Antoine Fuqua, con Jaafar Jackson, Nia Long, Laura Harrier, Juliano Valdi.

Domenica 6 settembre, ore 21:00 – Spider-Man: Brand New Day (Azione, 145'), di Destin Daniel Cretton, con Tom Holland, Zendaya, Sadie Sink, Jacob Batalon, Jon Bernthal.

Netflix ha appena incoronato il suo nuovo re indiscusso delle classifiche streaming. Non servono volti hollywoodiani, budget faraonici o campagne promozionali martellanti: quando una storia funziona davvero, il passaparola fa il resto. Un Sacrificio di Sangue, thriller crime di produzione svedese, ha conquistato il primo posto globale della piattaforma con una velocità che ha sorpreso persino gli analisti più ottimisti del settore.

La miniserie in cinque episodi è stata rilasciata il 20 agosto 2026 e in pochi giorni ha scalato tutte le posizioni della classifica Netflix, spodestando concorrenti del calibro di I Will Find You, l'ultimo adattamento di Harlan Coben che aveva dominato le settimane precedenti, e My Life with the Walter Boys, che sembrava destinato a mantenere il podio ancora a lungo. Ma il Nordic noir ha dimostrato ancora una volta di possedere quella formula magica che cattura il pubblico internazionale: atmosfere cupe, narrazione serrata e una costruzione del mistero che non concede respiro.

La trama getta lo spettatore nel cuore di Stoccolma, dove il detective Thomas Berg, interpretato da Jakob Oftebro, si trova ad affrontare un caso che sfida ogni logica investigativa. Due agenti di polizia vengono brutalmente assassinati, e Berg nota subito le inquietanti somiglianze con una serie di omicidi avvenuti in passato. Il problema è che il principale sospettato di quei crimini precedenti non può essere il colpevole: sta scontando la sua pena in carcere. Come è possibile che gli omicidi seguano lo stesso identico modus operandi.

Per risolvere il caso, Berg è costretto a rivolgersi all'ultima persona con cui vorrebbe avere a che fare: suo padre Alfred, ex poliziotto interpretato da Peter Andersson. Il rapporto tra i due è compromesso, segnato da incomprensioni e distanze emotive accumulate negli anni. Ma mentre l'indagine procede, padre e figlio si trovano a lavorare fianco a fianco, scoprendo che il serial killer che stanno inseguendo potrebbe essere molto più sfuggente e pericoloso di quanto avessero immaginato.

Quello che distingue Un Sacrificio di Sangue da molti altri crime thriller è proprio questa relazione padre-figlio al centro della narrazione. Non si tratta di un semplice espediente narrativo: la serie, creata da George Kay (il genio dietro Lupin), dedica spazio ed energia emotiva a costruire questa dinamica familiare complessa. In soli cinque episodi, lo spettatore assiste a un'evoluzione credibile del loro legame, un percorso che va dalla freddezza iniziale a una connessione più profonda, forgiata nelle trincee di un'indagine impossibile.

Le performance dei due protagonisti sono il cuore pulsante dello show. Oftebro porta sullo schermo un detective tormentato ma determinato, capace di oscillare tra momenti di vulnerabilità e ferrea professionalità. Andersson, dal canto suo, regala un ritratto sfaccettato di un padre che ha sbagliato ma che cerca una forma di redenzione attraverso il lavoro investigativo. Questa chimica tra i due attori trasforma quello che potrebbe essere un ennesimo procedurale poliziesco in qualcosa di sorprendentemente emotivo.

Il formato breve si rivela un'arma vincente. Cinque episodi permettono alla serie di mantenere un ritmo serrato dall'inizio alla fine, senza i riempitivi che spesso affliggono le produzioni più lunghe. Ogni puntata aggiunge un tassello al puzzle, ogni scena conta, ogni dialogo serve a far avanzare sia la trama investigativa sia quella emotiva. In un'epoca in cui il pubblico è sempre più esigente e il tempo è una risorsa preziosa, Un Sacrificio di Sangue offre un'esperienza di binge-watching intensa ma gestibile.

Il nuovo live action di Oceania non è semplicemente la trasposizione in carne e ossa del celebre film d'animazione Disney del 2016. È un viaggio dentro paesaggi reali, una dichiarazione d'amore verso la cultura polinesiana e un esperimento produttivo che ha portato la troupe a solcare le acque del Pacifico e gli studi cinematografici americani. Diretto da Thomas Kail, il film affida il ruolo della giovane protagonista Vaiana a Catherine Laga'aia, mentre Dwayne Johnson torna a interpretare il carismatico semidio Maui, personaggio a cui aveva già prestato la voce nell'originale animato.

La storia rimane fedele al nucleo narrativo che ha conquistato il pubblico mondiale: Vaiana, figlia del capo tribù dell'isola di Motunui, risponde al richiamo misterioso dell'oceano e decide di oltrepassare i confini della barriera corallina. Al fianco di Maui, intraprende un'avventura costellata di sfide e pericoli, con l'obiettivo di restituire equilibrio e prosperità al suo popolo. È un viaggio che cambierà per sempre il suo destino e quello della sua comunità.

Ma dove nasce visivamente questo mondo fatto di acque cristalline, spiagge dorate e montagne vulcaniche che sembrano uscire direttamente da un dipinto? La risposta conduce principalmente alle Hawaii, e in particolare all'isola di Oahu, terza per estensione dell'arcipelago ma prima per varietà di paesaggi utilizzabili dal punto di vista cinematografico.

Oahu non è solo Honolulu e la celebre spiaggia di Waikiki. La sua parte occidentale, meno battuta dal turismo di massa, conserva un carattere selvaggio e autentico: coste aspre, montagne che si innalzano direttamente dal mare, baie protette e foreste tropicali. È proprio questo contrasto tra urbanizzazione e natura incontaminata ad aver reso l'isola perfetta per dare vita a Motunui, che nel film è un luogo immaginario ma che sullo schermo acquista concretezza grazie a location reali.

Tra i luoghi più significativi utilizzati dalla produzione c'è Pokai Bay, sulla costa occidentale di Oahu, nei pressi di Waianae. Questa baia dalla conformazione protetta offre acque generalmente più tranquille rispetto ai tratti di costa esposti direttamente all'oceano. Il paesaggio è lontano dall'immagine patinata della Hawaii da cartolina: alle spalle della spiaggia si ergono i rilievi vulcanici dell'isola, mentre davanti si apre l'orizzonte del Pacifico. Una combinazione visivamente potente, che permette di mettere insieme nella stessa inquadratura il villaggio, le canoe tradizionali e quel confine marino che per Vaiana rappresenta il limite tra ciò che conosce e ciò che desidera scoprire.

Pokai Bay possiede anche una dimensione culturale che rende la scelta particolarmente significativa. Nei pressi della baia si trova Kuilioloa Heiau, un antico sito sacro hawaiano tradizionalmente collegato alla navigazione e alla conoscenza del mare. Qui, secondo la tradizione, i prescelti imparavano l'arte di leggere le stelle, le correnti e gli altri segnali offerti dalla natura per orientarsi nell'oceano. La presenza di questo luogo acquista un significato speciale considerando che uno dei temi centrali di Oceania è proprio la riscoperta dell'antica vocazione alla navigazione del popolo di Vaiana.

Un altro paesaggio fondamentale è Makua Beach, sempre sul versante occidentale di Oahu. Qui il carattere del territorio cambia sensibilmente: la spiaggia si sviluppa davanti a montagne imponenti e a una costa decisamente meno urbanizzata. È un ambiente che comunica immediatamente la forza della natura, elemento narrativo fondamentale nella storia. Il mare non è solo uno sfondo spettacolare, ma una presenza con cui la protagonista dialoga fin dall'infanzia. Makua Valley e la zona circostante hanno inoltre un forte valore culturale per la comunità hawaiana: non si tratta semplicemente di una scenografia naturale, ma di un territorio segnato da tradizioni, memoria e spiritualità indigena.

Tra le aree di Oahu associate alla realizzazione del film viene inoltre indicata Kualoa Ranch, sul versante nord-orientale dell'isola. Qui le montagne verdi e profondamente incise dei Koolau offrono uno dei panorami più riconoscibili delle Hawaii. Kualoa Ranch vanta una lunga storia cinematografica: il grande paesaggio montuoso è stato utilizzato nel corso degli anni come set per numerose produzioni hollywoodiane, diventando una sorta di teatro naturale per avventure, film fantastici e blockbuster. Sebbene Disney non abbia pubblicato un elenco ufficiale completo di tutte le singole location esterne, diverse fonti specializzate collegano quest'area alla costruzione visiva del mondo di Oceania.

La magia di Oceania nasce da questa fusione tra paesaggi reali e costruzione cinematografica: l'acqua e le coste hawaiane forniscono autenticità geografica e culturale, mentre gli studi permettono di realizzare scene tecnicamente complesse con maggiore controllo. Non si tratta di una semplice contrapposizione tra naturale e artificiale, ma di un dialogo produttivo tra due approcci complementari.

In Oceania il paesaggio non rappresenta uno sfondo scenografico neutro, ma diventa il nucleo stesso dell'avventura. Il mare, le barriere coralline, le montagne e la vegetazione tropicale accompagnano la crescita di Vaiana, raccontando il profondo rapporto tra il suo popolo e la natura. Anche nel live action questo equilibrio rimane centrale: le location reali sono state selezionate per evocare la spiritualità della cultura polinesiana e restituire un senso di autenticità al viaggio della protagonista.

L'obiettivo della produzione non era soltanto riprodurre le immagini del film d'animazione, ma creare un universo credibile che rispettasse le tradizioni e l'identità delle popolazioni del Pacifico. Per questo motivo, la scelta di girare direttamente alle Hawaii, e in particolare nella parte meno turistica di Oahu, assume un significato che va oltre la pura estetica. È un riconoscimento del valore culturale di quei luoghi, un tentativo di restituire dignità visiva a paesaggi che non sono semplicemente belli, ma carichi di storia e significato.

Luigi Calagna e Sofia Scalia hanno trasformato il loro matrimonio in un evento senza precedenti: il 5 settembre 2026 convoleranno a nozze davanti a migliaia di fan all'Unipol Dome di Milano, il palazzetto più grande d'Italia con una capienza di 16mila posti. Non una cerimonia tradizionale, ma un vero e proprio show musicale con orchestra, effetti speciali e sorprese degne di un concerto rock.

La coppia di YouTuber palermitani, che insieme forma il fenomeno dei Me contro Te, ha deciso di condividere questo momento intimo con le loro Trote, come affettuosamente chiamano i follower. I biglietti per partecipare all'evento partono da 48 euro, escluse commissioni, ma per chi desidera incontrare gli sposi nel backstage è disponibile il pacchetto Meet and Greet da 250 euro, a cui va aggiunto separatamente il costo dell'ingresso.

La storia d'amore tra Luigi e Sofia ha radici lontane, ben prima del successo digitale. Tutto cominciò nel 2012 con una merenda improvvisata a casa del cugino di lei, a Partinico. Luigi aveva 19 anni, Sofia appena 15. "Ricordo che indossava una felpa verde e arancione, i pantaloni blu e le scarpe marroni. Anche se vestito male, sembrava un ragazzo davvero dolce e gentile", raccontò lei in uno dei loro fantalibri pubblicati da Mondadori Electa, una serie di 15 titoli che ha venduto complessivamente oltre un milione di copie. Il primo bacio arrivò il 26 dicembre 2012, dopo un corteggiamento fatto di lezioni di chimica e matematica, pizze condite con patatine e pomeriggi passati a guardare film sotto gli occhi vigili dei genitori. Ma fu l'amore per i contenuti digitali a cambiare definitivamente le loro vite.

Luigi iniziò a fare video per divertire Sofia e le sue amiche, semplici balletti che caricava online. Lei lo seguì subito dopo, ispirandosi agli scherzi telefonici di Frank Matano e ai tutorial di trucco di Clio Make Up. Il primo video su YouTube, pubblicato davanti a una decina di parenti, li mostrava mentre giocavano al labirinto sul tablet, con la parete viola della cameretta di Sofia come sfondo e la vocina della sorellina che chiamava mamma e papà fuori campo.

La svolta arrivò mesi dopo, quando un video in cui i due fidanzati si sfidavano a fare una serie di cose in 7 secondi raggiunse mille visualizzazioni. Da quel momento nacquero i Me contro Te, un nome scelto per dare pari dignità a entrambi. I follower crebbero esponenzialmente: da mille a centomila, fino a superare il milione. Il trasferimento a Milano divenne una conseguenza naturale dell'amore, ma anche dell'impresa che stavano costruendo.

Oggi i numeri sono incredibili: 1,6 milioni di follower su Instagram, 3,5 su TikTok e 7,3 su YouTube. Il patrimonio della loro società "Me contro Te" srl, posseduta al 50 per cento da entrambi, ammonta a 27 milioni di euro, così investiti: 20 in fabbricati civili, 3 di liquidità in banca e altri 4 in titoli di Stato e similari, secondo l'ultimo bilancio disponibile del 2024.

Il successo si è esteso anche al cinema. La loro società SSCL srl ha fatturato 1,9 milioni di euro nel 2024, mentre l'anno precedente aveva raggiunto i 2,6 milioni. Il film "La vendetta del Signor S", uscito nel 2020, incassò 9,5 milioni di euro, secondo solo a Checco Zalone. Nel 2023, "Missione Giungla" riuscì addirittura a battere "Avatar" al botteghino italiano, un risultato che fece guadagnare alla coppia i complimenti di Cristina D'Avena e Tonio Cartonio, che avevano intercettato lo stesso segmento di pubblico nelle generazioni precedenti.

Il merchandising dei Me contro Te ha raggiunto livelli impressionanti, facendo impallidire persino i Ferragnez dei tempi d'oro: dal copripiumino al monopattino, ogni prodotto con il loro marchio diventa un successo commerciale. I bambini che li seguivano nelle trasferte condivise sui social a Parigi con tappa Disneyland, a Barcellona sulle tracce di Gaudì, a Londra alla carica dei 101 o in Transilvania dal Conte Dracula sono ormai maggiorenni, ma il tesoretto di follower è rimasto saldo.

"Stiamo insieme da quasi 14 anni e sposarci è la realizzazione di un sogno. Sarà un matrimonio unico nel suo genere. Il 5 settembre saremo sul palco dell'Unipol Dome circondati dalle nostre famiglie, dai nostri cari e da tutte quelle persone che da anni ci seguono, ci vogliono bene e hanno creduto nella nostra storia. Sarà lì che ci scambieremo le promesse e vivremo la parte più emozionante del nostro matrimonio. E dopo inizierà lo show, il concerto più ambizioso della nostra vita, con orchestra, effetti speciali e tantissime sorprese". - Luigi Calagna e Sofia Scalia

A scanso di equivoci, le nozze civili saranno celebrate prima nella sede appropriata, come previsto dalla legge italiana. L'evento all'Unipol Dome rappresenterà invece la celebrazione pubblica, pensata per trasformare un momento privato in un'esperienza condivisa con chi li ha seguiti fin dall'inizio. Un palazzetto scelto proprio per garantire visibilità e acustica perfette da ogni posizione, nato per offrire al pubblico un'esperienza degna dei grandi concerti.

Dove finisca l'amore e cominci il business, o viceversa, non è dato saperlo. Quel che è certo è che siamo ben oltre qualunque wedding plan tradizionale. La coppia ha costruito un impero partendo da una cameretta con la parete viola, trasformando la loro storia d'amore in un fenomeno generazionale che continua a macinare record e a ridefinire i confini tra vita privata e spettacolo.

La 41ª edizione della Settimana Internazionale della Critica, sezione autonoma e parallela organizzata dal Sindacato Nazionale Critici Cinematografici Italiani nell'ambito dell'83ª Mostra Internazionale d'Arte Cinematografica di Venezia (2-12 settembre 2026), presenta sette opere prime in concorso e due eventi speciali fuori concorso, tutti in anteprima mondiale. La selezione, curata dalla Delegata Generale Beatrice Fiorentino con la commissione composta da Matteo Berardini, Marianna Cappi, Francesco Grieco e Marco Romagna, attraversa quattro continenti.

Settimana della Critica 2026: The End of Times di Bibiana Rojas Gómez e Juan David Cárdenas

The End of Times / El fin de los tiempos, di Bibiana Rojas Gómez e Juan David Cárdenas (Colombia, 2026, 80'), segue Salomé, che rivisita decenni di video di famiglia nel tentativo di comprendere la tristezza della madre. Durante la sua ricerca, scopre un passato segnato dallo sfruttamento e dalla violenza nella storia della Colombia e dell'America Latina. Utilizzando l'intelligenza artificiale per cercare di immaginare un mondo meno terribile, Salomé si renderà conto di quanto più facile sia concepire la fine del mondo rispetto alla fine del capitalismo.

Interpreti: María Inés Toro, Gerardo Cárdenas, Gustavo Hernán Idárraga.

Settimana della Critica 2026: The H@llow Man di Kamel Laaridhi

The H@llow Man, di Kamel Laaridhi (Tunisia, 2026, 79'), è ambientato in un futuro in cui un bio-chip impiantato regola i ricordi e sopprime le emozioni, mentre l'ipnoterapia è proibita. In segreto, Taha consulta un ipnoterapeuta: un fabbricante di pathos che, attraverso la poesia, forgia per i suoi assistiti emozioni a loro precluse. Sotto ipnosi, Taha attraversa una foresta e si ritrova davanti a una casa infestata dagli insetti, dove un uomo e due donne stanno preparando un attentato suicida. La donna prescelta per trasportare l'ordigno è incinta, e sebbene annebbiato dalle pastiglie allucinogene, Taha comprende che il feto è egli stesso.

Interpreti: Mohammed Hessine Grayaa, Nesrine Bani, Riadh Hamdi, Kamel Dridi, Sadok Aidani.

Settimana della Critica 2026: London di Victor Di Marco e Márcio Picoli

London, di Victor Di Marco e Márcio Picoli (Brasile, 2026, 90'), racconta di London, un ragazzo disabile che si è costruito una vita secondo un principio di grintosa indipendenza. Lavora come dominatore in un locale fetish insieme agli amici disabili Luke e Lilá. Quando una visita medica offre a London l'opportunità di sottoporsi a un esame per comprendere meglio il proprio corpo e la propria disabilità, il giovane si trova di fronte a un dilemma: desidera ardentemente delle risposte, ma teme che una diagnosi possa ridurre la sua identità a una mera etichetta clinica.

Interpreti: Victor Di Marco, Jéssica Teixeira, Pedro Bertoldi, Priscilla Colombi, Carla Cassapo, Manu Thedy, Emilio Farias.

Settimana della Critica 2026: Meteorite di Sebastián Múnera

Meteorite / Meteorito, di Sebastián Múnera (Colombia, 2026, 80'), segue Tefa e Nia, che vivono in una cittadina sul fiume Magdalena insieme al giovane nipote di Nia, che stanno crescendo insieme. Nia coinvolge Tefa nel contrabbando di telefoni cellulari all'interno della prigione regionale. Il viaggio le porta ad attraversare uno stravagante parco divertimenti costruito sopra l'ex tenuta di un signore della droga: mentre vagano tra scivoli ad acqua e dinosauri di cemento, inquietanti ricordi sussurrati serpeggiano nel caldo estivo, in un luogo dove la violenza si cela sotto ogni superficie.

Interpreti: Ángela Cano, Luna Gaviria, Esteban Madrigal, Jesús Gutierrez, Jaime Castaño.

Settimana della Critica 2026: Our Share of Sand di Shalini Adnani

Our Share of Sand, di Shalini Adnani (India, Regno Unito, Grecia, 2026, 95'), racconta di Maya, dodicenne che dopo diversi anni all'estero fa ritorno in India con la madre per ricongiungersi con il padre, un imprenditore che si occupa di estrazione della sabbia. Stringe un fragile legame con Kiran, un giovane operaio; a seguito di un tragico incidente, l'indagine della polizia fa emergere Maya come testimone chiave, mentre il padre conta su di lei per essere scagionato. Divisa tra lealtà familiare e un crescente disagio, Maya scopre una fitta trama di omertà, sfruttamento e abusi ripetuti.

Interpreti: Maya Mehta, Mohammed Zeeshan Ayyub, Ellora Torchia, Krish Raj More, Ravi Ranjan, Jyoti Dogra.

Settimana della Critica 2026: Prima della guerra di Tommaso Usberti

Prima della guerra / Before the War, di Tommaso Usberti (Francia, Italia, 2026, 76'), segue Guido, poco più di vent'anni, che vive in una piccola cittadina del Nord Italia. Si è guadagnato il rispetto dei suoi coetanei con la violenza tipica dell'ambiente razzista e misogino in cui è cresciuto. Ma quando incontra Sonia, una giovane immigrata kosovara, qualcosa cambia: Guido si troverà in bilico tra il mondo che lo ha formato e il possibile futuro che lei gli sta offrendo.

Interpreti: Piero Usberti, Luàna Bajrami, Massimiliano Balduzzi, Sebastien Halnaut, Cisky Capizzi.

Settimana della Critica 2026: Zoom In, Zoom Out di Dong Jie

Zoom In, Zoom Out / Fa xian zhi lü, di Dong Jie (Cina, 2026, 117'), racconta di Shi, un giovane game designer che intraprende un difficile viaggio attraverso la città alla ricerca di Gao, il suo coinquilino scomparso. Seguendo un indizio nascosto in un gioco online si imbatte inaspettatamente in YY, la fidanzata di Gao. Mossi dallo stesso desiderio di trovare risposte, Shi e YY avanzano tra mondo reale e spazi virtuali alla ricerca della verità, affrontando i confini sfumati tra memoria, realtà e universi digitali.

Interpreti: Sun Yang, Zhao Tian'ai.

Settimana della Critica 2026: Il Grande Giaffa di Marco Santi apre la sezione fuori concorso

Fuori concorso, la sezione si apre con Il Grande Giaffa / Giaffa the Great, opera prima di Marco Santi (Italia, 2026, 100'). Il film racconta di Giacomo Falta, un uomo ignorato da tutti, incapace di trovare un suo posto nel mondo. Quando incontra il carismatico Grande Giason, che rappresenta tutto ciò che ha sempre voluto essere, Giacomo compie un passo rischioso, convinto che basti indossare una maschera diversa per sentirsi finalmente compreso. È l'inizio di una lunga notte in cui il confine tra identità e illusione si sfuma sempre più, fino a mettere a rischio la sua stessa esistenza.

Interpreti: Edoardo Pesce, Carlotta Gamba, Barbara Chichiarelli, Roberto Zibetti, Stefano Abbati, Vincenzo Pirrotta, Dino Porzio, Alfonso Postiglione.

Settimana della Critica 2026: Rider di Roan Johnson e Davide Pavanello chiude la sezione

La chiusura della Settimana è affidata a Rider, primo film firmato dalla coppia Roan Johnson e Davide Pavanello (Dade), un musical noir ambientato a Milano che utilizza il ritmo rap per raccontare il lavoro precario, la voglia di riscatto e le contraddizioni dell'Italia di oggi.

Interpreti: Lorenzo Aloi, Kaze, Mattia Mor, Kyshan Wilson, Johnny Marsiglia, Levante, Ensi, Rosa Chemical, Axos, Alice Rosso, Federica Bonani, con la partecipazione di Margherita Vicario e Claudio Santamaria.

Settimana della Critica 2026: i premi in palio

I sette lungometraggi in concorso concorrono al Gran Premio IWONDERFULL (10.000 euro), assegnato da una giuria internazionale al miglior film in concorso, al Premio del Pubblico (3.000 euro), assegnato dal pubblico in sala, e al Premio Luciano Sovena per il Miglior Produttore Indipendente (5.000 euro). Le opere concorrono inoltre al Leone del Futuro – Premio Venezia Opera Prima "Luigi De Laurentiis", del valore di 100.000 dollari, messi a disposizione da Filmauro e suddivisi tra regista e produttore.

Quando si parla di gialli, esiste un continuum tonale che va dal comfort food narrativo di Agatha Christie fino alle profondità disturbanti di opere come Sharp Objects. Due universi apparentemente inconciliabili: da una parte le indagini gentili di Miss Marple e Hercule Poirot, dove il mistero si dipana tra tazze di tè e deduzione logica, dall'altra il noir psicologico che scava nelle ferite aperte dell'America profonda. Eppure Netflix, con la serie His & Hers uscita a gennaio 2026, ha dimostrato che questi due poli possono non solo coesistere, ma generare qualcosa di sorprendentemente coeso.

His & Hers, adattamento del romanzo di Alice Feeney, prende in prestito da entrambi questi mondi con una sicurezza che sorprende. La serie è ambientata in una piccola città della Georgia, dove la giornalista Anna, interpretata da Tessa Thompson, torna per indagare su una serie di omicidi particolarmente violenti. Le vittime sono tutte donne adulte, ed erano tutte amiche di Anna durante l'adolescenza. Questo dettaglio attira l'attenzione del detective Jack Harper, a cui Jon Bernthal presta il suo carisma tormentato: Jack sospetta il coinvolgimento di Anna, complicazione aggravata dal fatto che i due hanno condiviso una relazione sentimentale finita male.

Le similitudini con Sharp Objects saltano agli occhi già dalla struttura. Entrambe le serie sfruttano una doppia timeline che alterna presente e flashback adolescenziali, entrambe sono ambientate nel Sud degli Stati Uniti con quel calore appiccicoso che diventa quasi un personaggio, entrambe costruiscono tensione attorno a una relazione problematica tra la protagonista giornalista e un detective. E poi c'è il tono: cupo, disturbante, capace di scavare nel disagio psicologico fino a sfiorare il soprannaturale. In alcuni momenti His & Hers ricorda addirittura The Outsider di Stephen King, con quella sensazione di minaccia che trascende la semplice criminalità umana.

Ma è nel plot che emerge l'anima christiana della serie. La struttura narrativa richiama And Then There Were None: una serie di omicidi collegati, vittime legate da un filo comune, una vendetta che si svela progressivamente. Come in Assassinio sull'Orient Express, anche qui la serie pone domande scomode sulla giustizia e la moralità. Può un omicidio essere giustificato? Esistono colpe che meritano una punizione capitale al di fuori della legge?

Quello che rende His & Hers particolarmente riuscito è la caratterizzazione delle vittime. Netflix ha preso una pagina dal manuale di The White Lotus: i personaggi uccisi sono talmente antipatici, egoisti e moralmente compromessi che lo spettatore si sorprende a domandarsi se la loro morte non sia, in qualche modo, meritata. È un gioco pericoloso, che la serie conduce con equilibrio delicato. Le ex-amiche di Anna sono ritratte con un cinismo quasi comico nella loro meschinità, eppure quando arriva il twist finale, quando il backstory nascosto riemerge, tutto viene ricontestualizzato.

È precisamente questo che faceva Christie nei suoi lavori più maturi. Dietro l'apparenza di puzzle logici, i suoi romanzi migliori erano meditazioni morali. L'epilogo di Assassinio sull'Orient Express non offre una soluzione netta, ma un dilemma etico che il lettore deve risolvere da sé. His & Hers opera nello stesso territorio filosofico, chiedendo allo spettatore di pesare colpa, rimorso, penitenza e punizione. Non è un comfort watch, ma nemmeno puro nichilismo: è un noir che eredita la complessità morale della Christie più oscura.

Il risultato è una serie stratificata, che parla lingue diverse a pubblici diversi. Chi cerca il brivido psicologico di Sharp Objects lo troverà nella regia claustrofobica e nelle interpretazioni intense di Thompson e Bernthal. Chi ama i whodunit strutturati alla Christie apprezzerà la costruzione meticolosa del mistero, i moventi intrecciati, la rivelazione finale che riscrive tutto ciò che è venuto prima. E chi vuole semplicemente un thriller adulto e intelligente scoprirà una delle proposte più ambiziose che Netflix abbia offerto negli ultimi anni.